Mysteriojazz

La cerise sur le Gato ?

2011-10-16T18:57:00.002+02:00

Plutôt le contraire, en fait !
C'est le premier disque de Don Cherry en leader, sans Ornette, donc...
Et il se trouve qu'il est tombé sur Gato Barbieri à Rome et en est resté baba !
(Je sais, je sais, c'est facile, mais c'est pas une raison pour ne pas la faire !)
Voilà donc une merveille d'album, datant de 1965, justement intitulé "Complete Communion".
La même année, ils remettront ça, avec Barbieri en leader, pour l'album "Togetherness", qui est très recommandable lui aussi, malgré son titre en forme de slogan pour la primaire socialiste !

Gratte, gratte...

2011-07-26T19:23:00.002+02:00

Pour moi, cet été, ce sera guitare, guitare et encore guitare.
J'ai commencé par l'intégrale Gabor Szabo, puis une bonne quinzaine d'album de Grant Green.
Prochaine étape : Wes !

En quartet, on se sent moins seul !

2011-06-29T17:54:00.003+02:00

Solo Quartet - Bobby Hutcherson

"Solo Quartet", drôle de titre non ?
Solo ou quartet ? Les deux en fait, mais pas en même temps, bien sûr !

Comprendre : Solo / Quartet

Première face : Bobby Hutcherson en solo... avec lui-même. En overdubbing évidemment, ce qui lui permet de jouer de plusieurs instruments à maillets simultanément.
Cette première face est une merveille qui justifie à elle-seule l'achat de ce disque.

Deuxième face, pourtant pas en reste, jugez-en : Hutcherson en quartet avec McCoy Tyner, Billy Higgins et Herbie Lewis.

Bref, un disque que je recommande chaudement, malgré une date d'enregistrement qui a tendance à me rebuter : 1982. Comme quoi...

L'Afrique : un sujet pas mal gâché...

2011-06-21T00:05:00.005+02:00

Habituellement, quand un musicien choisit une initiale pour son nom ou son prénom, c'est parce qu'il est trop long et imprononçable par les pauvres petites bouches occidentales. Je pense, bien sûr à Bojan Z, L Subramaniam, Dominique A (ah... euh... là, non, c'est pas la même raison...).

Dans le cas qui nous intéresse, D'Gary, je ne vois pas l'intérêt du pseudo puisqu'il s'appelle Ernest.

Bon, Ernest Randrianasolo, quand même, mais on a vu pire ! Surtout à Madagascar !

En plus, pour un guitariste, un nom qui se termine en solo, c'est parfait, non ?

Et puis D'Gary, avec un imbécile comme moi, ça se termine vite en D'Garni, ou pire, en D'Guerpi !

Bon, okay, c'est moi qui devrait déguerpir. Franchement, commencer ainsi un article pour le rendez-vous saisonnier du Z-Band, c'est assez lamentable !

Mettez vous à ma place aussi ! D'Gary a beau être un guitariste considérable, on ne trouve pas grand chose sur lui sur internet. Tapez "Gary" et "guitariste" et vous tomberez sur Gary Moore, qui ne mérite pas tant de considération. Quant à sa discographie, elle se résume en trois disques en 96, 97 et 2002.

C'est en empruntant ce dernier (Akata Meso) à la discothèque de prêt que je suis tombé sur lui et sur le cul. Depuis j'ai repris mon équilibre, et un café, et je vous balance un premier extrait : le premier de cet album, et le premier que j'ai donc entendu de lui :

Pas mal non ? Bon je sais, maintenant vous vous dites : "Il est bien gentil Bill avec ses jeux de mots foireux et ses zeugmas, mais quand est-ce qu'il nous parle sérieusement de son inconnu de guitariste malgache ?"

Ah ! C'est là que ça se gâte... Ben voilà, j'ai pas envie d'être sérieux. Et, chez moi, ça ne se commande pas !
Alors, tout ce qu'il y a à savoir est là, si le coeur vous en dit.

Quant à moi, je préfère écouter un autre extrait, et le voir jouer, cette fois :

Attention, vous marchez sur votre langue !

Pour terminer, si vous voulez en écouter davantage, et notamment l'un de ses fameux morceaux à la guitare électrique saturée, c'est ici.

N'oubliez pas non plus d'aller consulter les autres notes du Z-Band sur ce vaste thème : l'Afrique.

Maître Chronique: Coltrane "Africa brass"

Jazzques: Une interview d'Oran Etkin

Ptilou’s Blog: Ballaké Sissoko & Vincent Ségal

Flux Jazz: Bobby Few "Beautiful Africa"

jazzOcentre: Romano/Sclavis/Texier

Jazz Frisson : Abdullah Ibrahim et le temps dérobé

Folk en liberté

2011-06-13T12:04:00.003+02:00

Ceci est pour les quelques étourdis qui seraient passé à côté de l'événement folk de l'année 2008 : le premier album des Fleet Foxes, une pure merveille d'harmonies vocales à la Beach Boys, CSN&Y, ou encore Zombies.

Leur deuxième album est sorti cette année et, attendus au tournant comme ils étaient, on peut dire qu'ils ont bien négocié la transition. loin de reproduire la recette du premier, mais sans lui tourner le dos non plus, ils ont opté pour des arrangements aventureux, poussant même jusqu'à intégrer un éclat de free jazz (relativement sage tout de même) dans ce morceau (à partir de 6'24), ce qui n'est pas sans rappeler le précédent de l'unique album culte de Linda Perhacs, "Parallelograms" (1970), chroniqué par moi-même ici.

Pour la comparaison, j'ajoute le fameux modèle, dont la partie free est bien plus développée :

Gabor, bien sôr !

2011-06-11T19:02:00.002+02:00

Je n'ai pas beaucoup de temps en ce moment pour écrire des textes pour ce blog.
Afin de le faire vivre en attendant d'y revenir plus sérieusement, je vais quand même poster quelques vidéos de temps en temps.

Vous avez donc des chances d'y voir quelques-uns de mes favoris, comme celui-ci :

In memoriam Gil Scott Heron

2011-05-28T22:43:00.003+02:00

Si tôt, si tôt... 62 ans seulement !
Une seule consolation : lui le contestataire, le pourfendeur de Reagan, est mort sous Obama...

Faire fondre la neige : l'entreprise du Captain Kirk

2010-12-27T18:24:00.003+01:00

Avec une semaine de retard sur mes collègues du Z-Band, je m'empare aujourd'hui du sujet retenu pour notre rendez-vous saisonnier : un disque pour faire fondre la neige.

Le disque que j'ai retenu est sur la liste noire de toutes les organisations écologistes de la planète. Il est interdit au nord du cercle polaire arctique et au sud du cercle polaire antarctique car il a un effet dévastateur sur la couche de glace de ces régions. La dernière fois qu'un Inuït l'a écouté, un iceberg aussi grand que la Sardaigne s'est détaché de la banquise et a coulé le navire de croisière où notre président prenait des vacances bien méritées avec Carla. Ils ont, bien sûr, depuis été remplacés par des sosies, et notre pauvre esquimau reconduit à la frontière du Danemark.

Ce disque pourrait être facile à classer. Sachant qu'il s'agit d'un grand saxophoniste de jazz se mettant au R'n'B, on pourrait penser à un disque de la CTI, produit par Creed Taylor.

PAS DU TOUT !!!

Quand Rahsaan Roland Kirk fait du R'n'B, il ne se contente pas d'arrangements smooth jazz des grands noms du genre. Il les explose, les atomise, les ridiculise !
L'original de What's goin' on de Marvin Gaye, par exemple, ressemble à un filet d'eau tiède, par comparaison à la version volcanique de Rah.

On démarre assez tranquille, avec la reprise du tube de Bill Withers, dont j'ai oublié le titre exact, un truc du genre "Y a pas de Sunshine quand t'es gone". Sans surprise ? Que nenni ! Tout le monde connait la technique, inventée par Kirk du chanté dans la flûte, popularisée ensuite par Ian Anderson, avec Jethro Tull ; eh bien, là, Rahsaan ne se contente pas de fredonner dans la flûte, il chante carrément les paroles de la chanson !

Après cette mise en bouche, la température monte pour ne plus redescendre. J'ai renoncé à l'idée de mettre en écoute la playlist deezer : écouter 30 secondes de chaque morceau c'est louper l'essentiel.
L'essentiel, c'est les solos ravageurs et ravagés, en souffle continu, qui rappellent à ceux qui l'auraient oublié ou ignoré que Kirk est le saxophoniste le plus extraordinaire qui ait existé, si l'on excepte, comme il le faisait lui-même, Coltrane.

J'ai, quand même, trouvé sur ce qui reste de Jiwa, ce morceau, "One nation", qui envoie du pâté, que dis-je, du foie gras, jusqu'en haut de l'Etna !

One Nation
LP Version - Blacknuss
US Release - Rahsaan Roland Kirk

Voici ce que mes collègues du Z-Band ont déjà publié, la semaine dernière, avec cet effet notable : il y a déjà beaucoup moins de neige !

* Belette et Jazz : PJ Harvey & Bjork, Rudess & Petrucci et Marvin Pontiac

* Jazz à Paris : "Dolphy, Varese, Coltrane, Stockhausen" de Frédéric Maintenant, et "Out To Lunch" de Dolphy

* JazzOcentre : Ursus Minor, funk la neige

* Jazz Frisson : Manon, viens danser le ska !

* Jazzques : Carlos Villoslada

* Maître Chronique : Festen, une fête pour la neige

* Ptilou's blog : Benzine & Soo Bin Park

* Jazz, chroniques & coups de coeur : Cordula Hamacher

Magique Eric

2010-12-03T08:21:00.001+01:00

En ce moment, je n'écoute pas de jazz. Si quelqu'un peut m'y remettre, c'est bien lui !

Fin de partie pour un faune de Georgie

2010-10-21T18:40:00.003+02:00

Marion Brown, qui avait participé à l'Ascension de Coltrane, vient de monter le rejoindre.
C'était un grand bonhomme.
Qu'il se tape un éternel boeuf avec J.C !
On se consolera en réécoutant, entre autres merveilles, son "Afternoon of a Georgia Faun" (1969), que je n'ai malheureusement pas trouvé en video.

Celle-ci est beaucoup plus... mainstream, mais allez ! Elle fera l'affaire.

Big Band, Big Bang !

2010-09-19T11:37:00.010+02:00

C'est l'automne, les feuilles tombent, les jours raccourcissent, et... le Z-Band publie. Sujet : les Big Bands.
J'ai choisi, quant à moi d'évoquer un artiste qui n'a pas beaucoup fréquenté les Big Bands, étant par nature solitaire et renfermé : Monk.

Qui voudrait déguster Monk en Big Band doit se méfier. En effet, si vous achetez sans bien regarder l'étiquette, vous pouvez aussi bien tomber sur du jazz 100% Monk, que sur de l'Oliver Nelson avec quelques pépites de Monk éparpillées de ci de là.

Je m'explique :

Comme chacun sait, Monk n'est pas mort d'un coup, comme le commun des mortels. Il a connu, entre 1967 et 1977, une période d'effacement, laissant son ombre se faire trimballer d'enregistrements en concerts plus ou moins foireux, manipulé par des producteurs, et même des confrères comme Dizzy Gillespie, utilisant sa notoriété, devenue immense dans les années 60, pour se faire des pâtes encore !
A cette époque, Monk agit comme une espèce de zombie sans volonté et laisse l'orchestre massacrer sa musique sans réagir, tandis qu'il est lui-même réduit à un rôle ingrat d'accompagnateur. Et ceci, jusqu'àu degré suivant de dissolution : de 1977 à 1982, période pendant laquelle il ne reste plus que l'enveloppe charnelle de Thelonious, immobile et silencieuse.

Donc, Monk et les Big Bands : que faut-il écouter ?

Deux enregistrements en concert :

- 1959, The Thelonious Monk Orchestra at Town Hall, que voici en écoute :

Découvrez la playlist Monk Orchestra at Town Hall avec Thelonious Monk

- 1963, Big Band and Quartet in Concert

Ces deux sessions ont été arrangées par Hall Overton, en concertation avec un Thelonious alerte et en pleine possession de ses moyens. Avec 9 musiciens, en plus de Monk, et non des moindres. Il est à noter la participation de Steve Lacy, en 1963, mais il ne prend, malheureusement pas, de solo.

Ces deux enregistrements sont de pures merveilles. Rien d'autre que Monk à la puissance dix, une véritable explosion, un summum absolu.

Quand au disque de 1968, Monk's Blues, on peut difficilement le qualifier de dernier enregistrement de Monk. Il n'était déjà plus là. Tout au plus peut-on le considérer comme un album d'Oliver Nelson, que l'on aurait pu intituler "The Oliver Nelson's Orchestra Plays The Music of Thelonious Monk", en ajoutant "Featuring the shadow of Thelonious himself".

Faut-il en conclure qu'il est à jeter ?

Certainement pas, il reste très agréable à écouter. Mais il faut se garder de le comparer aux deux autres albums de Monk en Big Band, et si Columbia avait eu la moindre décence, ils n'auraient pas regroupé dans un même double album, à la pochette pourtant si fabuleuse (voir image d'introduction), un disque de grand chocolat à 85% de cacao et un disque de nutella !

J'en ai terminé, mais n'oubliez pas d'aller jeter un oeil aux contributions à ce sujet de mes camarades du Z-Band :

Carine Bonnefoy sur Cool de Source

G9 Gipfel Berlin sur Jazz à Berlin

Xtet / Bruno Reigner sur Jazz O Centre

P.O.M. (putain d’orchestre modulaire) sur Z et le Jazz

le MegaOctet d'Andy Emler sur Belette & Jazz

Fanfare du Belgistan / Le Spoumj / le Surnatural Orchestra sur Jazz à Paris

DJBigBand-AkaMoon sur Jazzques

Hannibal, le cas m'emballe !

2010-09-05T11:39:00.002+02:00

Marvin "Hannibal" Peterson est un artiste méconnu.
Comme instrumentiste (trompette), il a joué avec Roland Kirk, avec Elvin Jones, Pharoah Sanders, et autres pointures. Comme créateur, il est assez proche de Don Cherry, en plus "orchestral".
Si vous avez l'occasion de croiser l'un de ses disques, je pense qu'il vaut le détour.
Voici quelques extraits de son premier album, "Children of the fire" en 73 :

Abbey quitte la route

2010-08-21T19:43:00.002+02:00

Je sais, je sais, il faut s'y faire, tous ces géants du jazz qui tombent comme des mouches !
Mais là... Abbey...
Eh merde !

L'appel du 21 juin

2010-06-21T22:42:00.006+02:00

C'est l'été, ça y est et... Ahhhh ! Nom de nom, c'est aussi l'échéance de publication pour le Z-Band, magnifique collectif de blogueurs passionnés de jazz et... fatigués, tiens !
Eh oui, pour l'instant, seulement trois publications, plus celle-ci qui sera la quatrième et dont l'auteur, à court d'inspiration, en est réduit à tourner autour du pot et tirer à la ligne pour masquer, bien maladroitement son manque de préparation et sa panique totale !
Qu'est-ce qu'on avait dit, déjà ? Une vidéo ? Rio ? Bon, attendez voir !

J'ai ça dans mes archives : Casuarina.

Les Casuarina sont des arbustes ou des arbres pouvant atteindre 35 mètres de haut à feuillage persistant.Le feuillage est formé des nombreux rameaux de fines brindilles vertes ou gris-vert portant de minuscules feuilles-écailles... attends ! non, c'est quoi, ça ? J'aurais du prévoir que ça ne suffirait pas un copier-coller de wikipedia !

Bon, deuxième essai !

Casuarina est un groupe de samba carioca qui a une particularité : il renouvelle le genre et met le feu à chaque concert ! Ils ont une patate ! On les mettrait à marquer des buts à la place de l'équipe de France !

Leur dernier disque vient de sortir (ils sont jeunes, c'est le troisième) et c'est un live, ce qui permet d'apprécier leur vitalité, qui rendrait euphorique une armée de Philippes Delerms ! (Vous avez remarqué le nombre de points d'exclamation dans cette note !! ?)

Une dernière remarque avant d'aller se coucher, exténué : l'un des membres du groupe est le fils du grand Lenine (Non, pas celui-là, l'autre, le grand, j'ai dit !), ce qui me permet d'en mettre encore un !

Quelques-uns de mes irréductibles collègues ont déjà publié ici :

Maître chronique
Ptilou
Jazz Frisson

Autre chose que des binious

2010-06-13T10:47:00.002+02:00

En musique celtique aussi on a de superbes musiciens. Quand je dis "on", je veux dire "nous les bretons", qui n'avons pas que des chapeaux ronds !
La musique celtique a des accointances avec le jazz, ne serait-ce que le goût pour l'improvisation. De nombreux musiciens traditionnels bretons ont enregistré, avec des musiciens de jazz, des disques de haute tenue.
Voici, par exemple, Soïg Sibéril, grand virtuose autodidacte, au style si reconnaissable. Il parait que c'est un grand spécialiste de l'accord ouvert. Je veux bien le croire, de toutes façons je n'y connais rien aux techniques guitaristiques.
En tout cas, il fait partie du top ten des guitaristes que j'écoute le plus souvent.

L'arbre qui cache la forêt

2010-06-06T11:38:00.004+02:00

On connait tous ce phénomène de l'arbre qui cache la forêt.
Le Boléro qui cache tout Ravel, Wagner que l'on déteste pour ce tout petit bout d'opéra qu'est la chevauchée des Walkyries, Sibélius étouffé sous sa valse triste, Saint-Saëns réduit à son carnaval des animaux.
Pour Berlioz, à mon avis, l'arbre c'est cette marche hongroise de la damnation de Faust. Vous ne voyez pas ? Mais si, rappelez vous, Louis de Funès en chef d'orchestre dans la grande vadrouille.
Voilà un film qui perpétue le cliché d'un Berlioz pompeux, grandiloquent, martial.
Martiale cette musique ? Forcément ! Il s'agit d'une marche militaire, tout de même !
Eh bien cette marche de cinq minutes, sensée évoquer le passage d'une troupe de soldats ne devrait pas être tout ce que l'on connait de la damnation de Faust ! En plus, elle est jouée comme si elle constituait l'ouverture de l'oeuvre, alors qu'elle n'arrive normalement qu'après deux morceaux chantés d'une grande finesse.
Pour exemple, voici ce que moi je retiens, entre autres merveilles, de la musique de Berlioz : "Le spectre de la rose", tiré des "Nuits d'été".

Labylle en tête !

2010-05-30T11:58:00.003+02:00

Le Collegium Orpheus, magnifique ensemble de musique baroque, s'est aventuré avec beaucoup de réussite dans la musique classique sur instruments anciens.

Comme me le disait son directeur Jean-Marc Labylle (qui se trouve être le professeur de flûte de ma fille), "quand on tourne trop longtemps dans la musique baroque, ça en devient étouffant", alors jouer Mozart, Haydn, et même Beethoven (hier soir), s'apparente à une ouverture d'esprit.
Pour l'auditeur aussi c'est une ouverture d'esprit. Entendre l'ouverture de Coriolan sur instruments anciens par un petit ensemble, ça change de perspective par rapport au Berliner Philarmoniker au complet !
Quant à la fantaisie pour piano, choeur et orchestre op.80 , jouée sur un pianoforte (par un excellent Cyril Huvé), elle gagne en vivacité ce qu'elle perd en brillance et elle vous touche d'une toute nouvelle façon. C'est comme si on l'entendait pour la première fois et le plaisir en est tout renouvelé.

Ce qui m'a frappé à chaque fois que j'ai assisté à un concert du Collegium Orpheus, c'est la complicité et l'extrême simplicité des rapports entre l'orchestre et son chef Jean-Marc Labylle. Cette complicité, qui tient à la personnalité hors norme de ce dernier, se retrouve aussi avec le public et permet une véritable communion.
Si vous avez l'occasion d'assister à l'un de leurs concerts, n'hésitez pas ! Quel que soit le programme, vous ne serez pas déçus.

En attendant, un petit exemple qui suffit à montrer le plaisir que tous ces artistes ont à jouer ensemble :

Non, pas l'homme politique... L'autre David Axelrod

2010-05-23T10:34:00.004+02:00

Musique classique ? Smooth Jazz ? Rock psychédélique ?
La musique de David Axelrod est un peu tout ça à la fois. Cela aurait pu donner une grosse daube, mais l'écueil a été évité, grâce à son formidable talent d'arrangeur.
Avant tout, Axelrod est un producteur de R'n'B et de Jazz. Il a beaucoup participé au succès de Cannonball Adderley et autres artistes dits de "crossover", c'est à dire mélangeant Jazz, R'n'B, Soul, Funk... dans les années 60.
On lui doit aussi l'ovni musical qu'est "Mass in F" des Electric Prunes. Faire jouer une messe psychédélique, finement arrangée, par des musiciens de Rock garage, il fallait oser !
Vers la fin des années 60 , il commence à sortir ses propres albums, dont les plus réussis sont "Song of Innocence" et "Song of Experience", d'après des recueils de poèmes de William Blake, et "Earth Rot", sorte de cantate psychédélique amenant à réfléchir sur la pollution que l'homme fait subir à la planète.
Ces disques ont beaucoup été samplés par les artistes de Hip-hop et ont relativement bien vieilli.
Un exemple, assez significatif du style : "The Fly", tiré de "Song of Experience".

Oupala, phou !

2010-05-16T09:07:00.001+02:00

Je suis tombé sur cette video étonnante d'un jeune prodige indien jouant de la mandoline électrique. Il s'avère qu'il s'agit du grand maître, capté à ses débuts vers 13 ans, de cet instrument pourtant peu indien à l'origine (pourquoi pas aussi "le saxophone de l'Inde du sud", ou bien "l'accordéon carnatique", ou encore "la cornemuse indienne").
Cet artiste s'appelle U. Srinavas et il est relativement connu en occident, ayant enregistré notamment avec Peter Brooks, comme Nusrat Fateh Ali Khan avant lui, ce qui fait hurler les puristes (j'ai été puriste, moi aussi, et puis... j'ai muri !).
Je trouve cette musique fascinante. Si c'est votre cas, vous en reprendrez bien un peu !

Moi, en tout cas, je ne m'en lasse pas.
Au fait, que signifie ce U ? On a l'habitude avec les musiciens dont le nom ou le prénom est à rallonge d'utiliser une initiale. Je pense à L. Subramaniam (Lakshminarayana), à Bojan Z (Zulfikarpasic), à Dominique A (Ané)... euh, non, mauvais exemple pour le dernier, mais on comprend pourquoi l'initiale !
Eh bien le U, c'est pour Upalappu, d'où le titre de cette note.

Cette randonnée n'en finit pas d'être mortelle !

2010-05-09T10:43:00.003+02:00

Si, comme moi, vous êtes tombés amoureux de la musique de Carla Bley grâce à ce film cultissime qu'est "Mortelle Randonnée", vous apprécierez sans doute de vous réécouter "Musique Mécanique I", que Carla a utilisé pour la bande son du film.
Ce morceau est tiré du disque "Musique Mécanique" (1979), qui sonne comme un hommage à Nino Rota et à Kurt Weill.
Découvrir ce disque alors qu'on ne connait du jazz que son aspect main stream est un bouleversement. Ce n'est pas le limonaire qui simule l'orchestre, c'est le contraire.
Quoi ? Ce sont des musiciens de jazz qui jouent cette musique de fanfare ?
Eh oui ! Et pas des moindres : Michael Mantler, Roswell Rudd, Charlie Haden, Eugene Chadbourne, entre autres, élèvent l'orphéon au rang du grand art, subtil et décalé à souhait.

Flûte, flûte et reflûte

2010-05-02T11:16:00.003+02:00

Je me rappelle avec émotion la première fois que j'ai entendu la sonate pour flûte de Poulenc, et j'envie ceux qui la découvriront.

Passez donc prendre l'opéra

2010-04-25T10:18:00.004+02:00

En ce moment, je ne suis pas du tout dans une "jazz mood", je n'écoute que du classique, et particulièrement de l'opéra.
Alors, je vais faire mon précieux (mon précieuuux... Gollum ! Gollum !... Pardon.) avec ce fameux duo des fleurs du "Lakmé" de Delibes, tout simplement parce-que cette musique ne me semble pas humaine.
Une reine des Elfes doit l'avoir composée.

Le dernier rugissement d'El Gato

2010-04-18T10:42:00.006+02:00

Je suis, miraculeusement tombé sur cet album de Gato Barbieri que je cherchais depuis très longtemps. C'est un album charnière à plus d'un égard.

Tout d'abord, son line-up est entièrement renouvelé et, même si on peut regretter l'absence du grand Lonnie Liston Smith au clavier, il faut reconnaître que ce Jorge Dalto n'est pas mal non plus. On trouvera aussi, à la guitare, un très bon Paul Metzke qui nous console de l'absence d'une confrontation de Gato avec Santana (ces deux-là semblaient pourtant faits pour se trouver). Quant au bassiste, ce n'est autre que l'immense Ron Carter.

De plus, cet album tranche par rapport aux précédents, Bolivia et Latino America, comme une sorte de retour au jazz.
Ce retour sera de courte durée.
En effet, ayant sans doute besoin de refaire sa cuisine, ce popeye du saxophone décida de mettre un peu de beurre dans ses épinards. Au début, ce fut simplement des épinards beurrés ("Caliente" en 76, "Ruby, Ruby" en 78), puis on eut droit à du beurre parfumé aux épinards, et enfin, du beurre 100% matière grasse.

On peut donc considérer ce disque comme le dernier chef d'oeuvre d'El Gato, avant que sa musique ne se transforme en musique d'ambiance latine, une sorte de musique d'ascenseur, mais faite par un génie qui avait su nous faire descendre à genoux toutes les marches vers un enfer sonore, fait de gémissements, de cris stridents, de hurlements, maintenant remplacés par un simple ronronnement.

Crise ? Quelle crise ?

2010-04-11T11:38:00.004+02:00

Je voudrais mettre en lumière, aujourd'hui, un album un peu oublié et sous-estimé d'ornette Coleman : "Crisis", Live, 1969.
Cet album fait partie d'une magnifique trilogie, comprenant "Broken Shadows" et "Science fiction", ce dernier étant reconnu comme une oeuvre majeure du free jazz et l'une des plus grandes réussites d'Ornette.
"Broken Shadows" a, quant à lui, été intégré dans le double album "The complete Science Fiction", mais "crisis" reste malheureusement méconnu. Pourtant, il possède exactement les mêmes qualités que les deux autres.
A commencer par les mêmes comparses : Don Cherry, Dewey Redman, Charlie Haden et Denardo Coleman. Les couleurs sont variées, chacun des souffleurs jouant de deux instruments : Coleman joue du violon en plus du sax alto (il ne souffle pas dedans mais en tire quand même des sons inhabituels), Cherry passe parfois de la trompette à la flûte et Redman du ténor à la clarinette.
En voici un extrait, une composition de Charlie Haden intitulée "Song for Che" :

Fais passer le message, rasta man !

2010-04-04T10:46:00.005+02:00

J'sais pas vous, mais moi, en ce moment, j'aurais besoin d'un peu de soleil. Quand ça m'arrive, j'ai un remède infaillible : Cymande.

Cymande (prononcez ça mande hé) est un groupe des années 70 dont les membres sont tous d'origine antillaise, qui a su mélanger à merveille les rythmes africains et le reggae avec le funk, la soul et même le rock psychédélique, chaque style s'enrichissant des autres. Ce groupe est unique, sa musique ne ressemblant à aucune autre.

Trois disques, qui sont passés un peu inaperçus, au début des années 70 : Cymande (1972), Second Time Round (1973) et Promised Heights (1974), regroupés dans un double CD 20 ans plus tard, après qu'ils aient été redécouverts et samplés à mort par des rappeurs en vue.
Depuis, ils sont devenus culte, et tout le monde connait "The Message" ou "Bra".

Voici deux morceaux un peu moins connus que j'adore, et une occasion de vérifier que leur musique n'a pas pris une ride :" Zion I", pour le soleil, et "Dove", pour le trip !

Dolphynarium

2010-03-27T18:08:00.005+01:00

Découvrez la playlist Eric Dolphy avec Eric Dolphy

Flûte, tabla, tambourin et voix : voici l'un des morceaux les plus inhabituels d'Eric Dolphy.
Tiré de l'album "Other Aspects" (1962).
L'album pour s'évader du jazz d'un géant du jazz.

Que peut-on ajouter, à part : "Digda, digda thât, thât, thai " ?

Spring in Swing : Ra mène sa fraise

2010-03-21T11:16:00.007+01:00

C'est le printemps et, à nouveau, l'occasion pour le Z-Band de faire un billet commun.
Le thème de ce billet commun est, euh... le printemps, ou plutôt "Spring", comme dirait JCVD qui a oublié le mot français.
Rappelons que "spring" signifie aussi "ressort", et qu'il ne fallait pas en manquer pour trouver un morceau de jazz dont le titre contienne le mot "spring" mais, surtout, qui évoque effectivement le printemps !

Quand je pense printemps, je pense surtout à Debussy, et aussi à la flûte traversière. Une couleur, un état d'esprit, une ambiance, appelez ça comme vous voulez, qui vous fait immédiatement penser "Aaaah, c'est l'printemps, quelle douceur, quel bonheur !"

Bon... tout ça pour dire que j'ai trouvé l'idéal, quoi !
Il s'agit de l'un de mes artistes préférés, Sun Ra, et de l'un de ses albums les plus beaux et en même temps les plus accessibles, "Sleeping Beauty" (1979).
Trois morceaux, deux sur la face A et un sur la face B, qui sont de pures merveilles, avec de magnifiques orchestrations, comprenant des voix, et de fantastiques solos.
A qui serait assez fou pour se contenter d'un seul album de Sun Ra, je recommanderais celui-là.
Pour donner envie, et être en même temps en plein dans le sujet, voici "Springtime again", le premier morceau du disque. Installez vous, fermez les yeux, ça sent... la primevère !

A l'heure qu'il est, voici ce que mes collègues ont déjà publié :

Jazz à Paris : Springtime for H & Correction
Ptilou : Clifford Brown
Jazz à Berlin : Eric Dolphy
Maître Chronique : Coltrane
Jazz frisson : Blossom Dearie
JazzOcentre : de Michel Legrand à Bill Evans
Belette : Kenny Dorham
Bladsurb : Manu Katché
Jazzques : Jeanne Lee & Mal Waldron

Il n'y a qu'un Coleman

2010-03-14T12:28:00.002+01:00

Le 9 mars dernier, Ornette Coleman a eu 80 ans ! Eh oui, 80 ans pour un jazzman c'est exceptionnel. Alors quoi, il ne s'est pas détruit par l'alcool ou la drogue ? Ben non, sa seule drogue c'est la liberté.
Pour lui rendre hommage, voici un extrait d'un disque, "Change of the century", qui a 50 ans et qui a marqué un tournant dans le jazz, avec son alter-ego "The shape of jazz to come", plus connu.
Cette musique n'a pas pris une ride.

El Condor repassa

2010-03-07T17:57:00.003+01:00

En 1969, probablement sur une idée du producteur Creed Taylor, Paul Desmond enregistre une adaptation jazz de l'intégrale du disque de Simon & Garfunkel, la sensation du moment : "Bridge over troubled water". Aussi idiot que ça puisse paraître, ce n'est pas mal du tout. Les arrangements et l'orchestre sont dirigés par Don Sebesky, et Desmond, accompagné par Herbie Hancock et Airto Moreira, fait bien plus que se contenter de jouer la mélodie originale.
Un disque très agréable à écouter, donc.
Un an plus tard, Creed Taylor remettra le couvert avec George Benson et le "Abbey Road" des Beatles, avec moins de réussite, à mon goût.

Ne boudons pas notre plaisir :

L'homme à la voix d'or

2010-02-28T10:21:00.010+01:00

Donny Hathaway est un mythe. Sa voix est la plus belle de toutes (comme le dit le père Emptoire). Bien plus belle, notamment que celle de Marvin Gaye. Pourtant sa notoriété n'arrive pas à la cheville de celle du susdit.
Ce n'est pas faute d'avoir eu du succès. Il en a eu, avec son premier album, ainsi qu'en duo avec sa camarade de classe, la grande Roberta Flack.

Non, le problème, c'est le doute, la dépression, qui déboucheront sur son suicide à 33 ans, laissant ses amis incrédules sur son envie d'en finir alors que sa carrière recommençait à décoller, et Roberta inconsolable.

Ce qui fait tout l'intérêt de la musique de Donny, outre sa voix, incontournable, c'est son art de l'arrangement qui en fait le mix parfait de Curtis Mayfield, Stevie Wonder et Marvin Gaye.

Sa discographie est très courte. Elle comprend trois albums (trois chef d'oeuvres très différents), un live, une musique de film,"Come Back Charleston Blue", et un album duo avec Roberta Flack.
Parlons un peu de ces trois albums, que je ne me lasserais jamais d'écouter :

Le premier, "Everything is everything" (1970) est solaire.
Il comprend, entre autres perles, trois tubes : le titre éponyme, "To be young, gifted and black", et surtout, cette merveille de jam blaxploitation, de musique de rue, "The Ghetto".

Le deuxième, intitulé simplement "Donny Hathaway" (1971), est lunaire.
Tout en demi-teintes, fait principalement de tempos lents, il est tout simplement bouleversant !

Le premier morceau, "Givin' up", donne le ton :

Le troisième, "Extension of a man" (1973) est ambitieux.
Il fait la part belle aux arrangements, s'inspirant du "What's goin' on"" de Marvin Gaye, en commençant par un morceau orchestral, pour 45 musiciens, orchestré par Hathaway lui-même.
Le reste est tout aussi magnifique, même si l'ensemble n'est pas aussi cohérent que l'album de Marvin Gaye.

Pour terminer : une vraie video :

Au poteau ! (whipping post)

2010-02-23T17:17:00.003+01:00

Je suis tombé sur cette vidéo, de bien mauvaise qualité certes, mais suffisamment rare pour la rendre intéressante, d'un groupe très important pour moi : The Allman Brothers Band.
Avec le plaisir de voir jouer le plus grand guitariste de rock de tous les temps (euh... des temps du rock, en tout cas), juste après Hendrix, quand même : Duane Allman, malheureusement mort à même pas 25 ans dans un accident de moto.
On peut y voir aussi le deuxième guitariste du groupe, Dickey Betts, qui aurait pu être considéré, lui aussi comme un très grand, s'il n'avait pas joué dans le même groupe que le génie !

Silver pop

2010-02-07T11:29:00.008+01:00

A l'aube des années 70, Horace Silver enregistre trois albums constituant une trilogie intitulée "The United States of Mind".

Ces trois disques, "That Healin' Feelin'", "Total response" et "All", sont tellement différents de ce que Horace a enregistré dans les années 60 qu'il va en prendre plein la gueule avec la critique jazz ; vous savez, cette critique qui cherche à enfermer les artistes dans de petites boîtes dont ils ne doivent surtout pas sortir ?

Que lui reproche-t-on ? Deux choses :

- de rabaisser le jazz au niveau de la pop, la plupart des morceaux étant chantés, dans un style funky, avec un Silver qui passe au piano électrique.

- de faire la part belle aux paroles, jugées prétentieuses, mêlant préoccupations sociales, spirituelles et politiques.

C'est à dire, en gros, de faire "Songs in the Key of Life" de Stevie Wonder, quelques 5 ans avant l'intéressé.
Loin d'abaisser le jazz, ces trois enregistrements élèvent la pop au niveau du chef-d'oeuvre !
La cerise sur le gâteau, c'est la rencontre entre Horace et le grand Bey.
Andy Bey, l'une des plus belles voix du jazz, Jeanne Lee au masculin, de part l'ambiguïté de sa voix, très masculine dans les graves et presque féminine dans les registres plus élevés.
On trouve aussi d'autres chanteurs sur ces trois disques, comme Salomé Bey, la soeur d'Andy, ou encore Gail Nelson.
Les arrangements sont tout simplement fantastiques et prouvent, s'il en était besoin, l'énorme apport de Silver à la soul et à la pop, comme si cela ne suffisait pas qu'il ait inventé le hard bop !

Pour terminer, voici trois extraits, une chanson de chaque disque :

Découvrez la playlist Horace Silver avec Horace Silver

L'homme orchestre

2010-01-31T10:50:00.005+01:00

Le dernier disque de Pat Metheny ressemble comme deux gouttes d'eau à n'importe quel album du Pat Metheny Group. A une différence près : c'est le Pat Metheny Group sans le groupe !

Découvrez la playlist Pat Metheny avec Pat Metheny

Vous allez me dire - Oui, bon... c'est Pat qui joue de tous les instruments séparément ; c'est possible à l'enregistrement mais pas en concert !
Que nenni ! En concert aussi il peut jouer de tous les instruments en même temps. Par contre, je vous dis pas le temps qu'il doit falloir pour installer tous le matos !
A voir pour la performance technique, donc !

La moitié du Gato

2010-01-24T22:36:00.003+01:00

Juin 1971 à Montreux, Gato Barbieri, finement accompagné, notamment, de Lonnie Liston Smith et Nana Vasconcelos, donne un concert de légende.
Un concert dont tous ceux qui l'ont vécu se souviennent encore et sont fiers de dire "j'y étais".
Un concert dont il ne reste que la moitié, le producteur étant tombé à cours de bande !
Et nous voilà, pauvres malheureux nés trop tard, et en dehors de la Suisse, comme privés de Gato.
C'est pas juste !

Mal au crâne !

2010-01-17T17:50:00.002+01:00

Une petite curiosité que cette incursion d'Oliver Nelson dans le funk électronique, enregistré en 1975, l'année de sa mort. Aurait-il poursuivi dans cette voie ? En tout cas, sur l'album, c'est le premier et seul titre de ce genre, le reste étant du grand orchestre hard-bop, plus dans le genre du Nelson que l'on connait.

Lhasa nous laisse Sela

2010-01-04T19:22:00.002+01:00

L'année commence très mal car une immense artiste nous quitte.
L'une des plus belle voix du monde.
A jamais mythique, en seulement trois merveilleux disques...

Bonne année 2010 !

2010-01-03T15:36:00.004+01:00

Je souhaite à tous ceux qui me lisent une année 2010... calme !
Et pour la commencer calmement, voici une petite merveille de vidéo sur une musique du fabuleux Andrew Bird, intitulée "Lull" (accalmie) :

Jeune pousse : Tyondai Braxton

2009-12-21T00:00:00.006+01:00

J'avoue que, quand j'ai compris que le thème de ce nouveau rendez-vous du Z-Band serait "Jeune pousse", j'ai eu un moment de panique. En effet, j'ai beau essayer, je n'arrive pas à m'intéresser, ou alors pas longtemps, au jazz actuel. Trois options s'offraient donc à moi :
- passer mon tour en espérant que le prochain thème me passionne plus.
- faire l'hypocrite et dénicher un musicien de jazz actuel qui ne me déplaise pas trop, sachant que je ne l'écouterais qu'à cette occasion.
- parler d'un musicien qui n'a aucun rapport avec le jazz.

J'ai choisi, bien sûr, la troisième option, à ceci près que Tyondai Braxton a quand même un petit rapport avec le jazz : c'est le fils d'Anthony Braxton ! Petit rapport ? Ben oui... Anthony lui-même n'a qu'un petit rapport avec le jazz, tel qu'on l'entend généralement.
Au risque de m'attirer des commentaires désobligeants, je vais préciser ma pensée. Pour moi, le jazz, en tant que genre musical, a connu son apogée dans les années soixantes avec Coltrane et le free, et a ensuite disparu, dissous dans le rock le plus avancé (celui de Zappa, de Soft Machine...) et dans la musique savante contemporaine (voir les rapports qu'entretenaient Braxton justement, et toute l'AACM, avec la musique de Stockhausen, Cage et consort). Ce qui est resté et qui a continué à être appelé jazz, n'évolue plus, faute de grands innovateurs. Le grand public considère comme innovatrice et étrange une musique qui existait déjà quarante ans auparavant. Et je ne parle pas du revival hard bop, dont l'intérêt m'échappe.
Regardez le programme de n'importe quel festival dit "de jazz", et vous trouverez, pèle-mèle, du blues, de la pop "jazzy", des musiques du monde, quelques vieilles gloires évidemment, mais rarement de l'innovation.
Il faut se rendre à l'évidence : cette musique est morte, et une jeune pousse, avec l'étiquette "jazz" ne peut-être, au mieux, qu'un rejet, dont tous les férus de botanique savent qu'ils ne seront jamais aussi beaux que l'arbre dont ils sont issus.

Bon ! Ceci étant dit, comment faudrait-il donc appeler la musique innovatrice d'aujourd'hui ? Car elle existe évidemment !
Duke Ellington disait à Dizzie Gillespie : "Pourquoi les laisses-tu appeler ta musique be-bop ? Moi j'appelle tout simplement la mienne Ellingtonia !". Rahsaan Roland Kirk, comme Cecil Taylor, refusait l'appellation Jazz et préférait "Great Black Music". La musique créative d'aujourd'hui est multiforme mais on se rend compte, en parcourant les blogs, que les amateurs de free jazz aiment généralement aussi le free rock, le krautrock, les musiques électroniques, les minimalistes, la musique savante contemporaine, tout ce que le site Néosphères appelle "les sphères de la nouvelle musique".
Et c'est bien à ces sphères qu'appartient Tyondai Braxton, comme son père, mais avec moins de jazz et plus de rock.
Jetons un oeil aux multiples étiquettes que l'on colle à sa musique sur allmusic : avant-garde, jazz, pop/rock, experimental, creative orchestra, alternative/indie rock, prog-rock, post-rock, neo-prog, math-rock ! La dernière est savoureuse mais assez transparente : du rock mais affreusement complexe ! Moi, j'appelle ça tout simplement de la musique créative d'aujourd'hui et, quelques fois pour simplifier à outrance, de la Zorn-music, en hommage à la grande figure de ce genre de musique : John Zorn.
La logorrhée verbale que vous venez de lire, sauf si, effrayé, vous avez zappé jusqu'à ce paragraphe, masque mal le peu de renseignement que j'ai sur Tyondai Braxton. Je n'ai même pas été fichu de trouver sa date de naissance ! Heureusement, sa musique parle d'elle-même.

Pour commencer (enfin !), un album parait en 2002, "History that has no effect", dont voici le seul extrait que j'ai pu trouver sur Jiwa, et c'est, sans doute l'un des moins étranges de l'album :

The Violent Light through Falling Shards - History That Has No Effect - Tyondai Braxton

Ce disque est une pure merveille, d'une puissance sonore incroyable, fait de boucles électroniques et de guitare saturée, aux ambiances très variées et originales, et suffirait déjà, à lui tout seul, à mettre Tyondai sur un piedestal, si le meilleur n'était pas à venir...

Et le meilleur, c'est Battles, un quatuor de rock dont la musique s'inspire à la fois de Zappa et de Spike Jones, pour le côté cartoon. Battles a d'abord sorti, en 2004, deux Ep qui ont fait sensation. Je me souviens qu'à cette époque, si vous tapiez "Battles" sur google, vous n'obteniez quasiment rien comme information. Depuis 2007 et la sortie de leur premier album, "Mirrored", il est plus facile de tomber sur eux. On trouve, sur Jiwa, l'album entier et, sur Youtube, quelques superbes vidéos. En voici quelques exemples suffisamment évocateurs :

Attention, cet album sublimissime peut provoquer une addiction grave !

Et ce n'est pas tout ! Parallèlement, du moins je l'espère, tant je n'aimerais pas voir disparaître le groupe Battles après un seul album, Tyondai Braxton a sorti en 2009 un disque en solo, intitulé "Central market", qui est une pure merveille de musique orchestrale, dont le seul défaut est la brièveté (34 petites minutes !), qui doit autant à Steve Reich ou Stavinsky qu'à Brian Eno. Je n'ai, malheureusement, pas pu trouver d'extraits, mais voici tout de même une vidéo très intéressante, ou Braxton parle de son oeuvre :

Voilà ! J'en ai fait le tour, et je retourne l'écouter en attendant, la langue pendante, le prochain opus de ce petit génie.
N'oubliez pas d'aller faire un tour sur les superbes blogs de mes collègues du Z-Band :

Jazz Frisson : Parc-X

Jazz à Berlin : Peter Van Huffel

Jazz à Paris, Mutine Hélary

JazzOcentre : Benoit Lavollée Trio

Ptilou’blog : Nenad Gajin

Maitre chronique : Stabat Akish

Pas de bras, pas de chocolat !

2009-12-12T16:51:00.002+01:00

Comme je manque cruellement de temps en ce moment, je me contente de faire partager mon goût pour certains albums peu connus, comme celui-ci : "The Inner Mystique" (1968) par les Chocolate Watchband, un groupe californien. C'est un disque de rock garage, avec des morceaux de psychédélisme dedans, que j'adore et que j'écoute assez souvent. En voici deux extraits, le premier étant mon préféré, avec son côté orientalisant (et la flûte bien sûr !), le deuxième, plus significatif du groupe (très inspiré des Stones) :

Une fontaine de soul

2009-12-06T10:53:00.003+01:00

Je n'ai pas beaucoup de temps aujourd'hui mais, en fouillant un peu dans ma collection, j'ai remis la main sur ce petit chef-d'oeuvre de hard bop tardif (1968) de Clifford Jordan, "Soul fountain", dont voici un extrait explosif :

TNT
LP Version - Soul Fountain
US Release - Clifford Jordan

Aux amateurs de folk introspective

2009-11-28T16:37:00.005+01:00

Si, comme moi, vous vous désolez que Nick Drake n'ait sorti que trois albums avant de se suicider, les trois plus beaux albums de folk qui puissent exister, vous serez, peut-être un peu consolés de savoir qu'il s'en trouve quelques rares de la même époque qui jouaient dans la même cour.
J'ai déjà évoqué, ici, le cas de l'ex chanteur des Zombies, Colin Bluntstone. Cela fait donc deux albums de plus !
En voici deux autres, de Duncan Browne, de la même veine mélodique, avec le même genre d'arrangements empruntant au classique : "Give me take you" (1968) et son petit frère "Duncan Browne" (1973).

Pourquoi autant d'écart entre les deux ? Tout simplement parce-que le premier a été un échec commercial retentissant, malgré la reconnaissance critique immédiate de ce chef d'oeuvre, parfois comparé à, rien de moins que, "Astral Weeks" de Van Morrison !
Malheureusement, Browne n'a pas continué dans cette veine, se tournant vers un prog-rock à la Roxy Music, beaucoup moins intéressant.
En écoute, un titre du premier disque, "Ninepence worth of walking", dans son arrangement original, qui n'est malheureusement pas celui de l'album, mais qui en donne un bon aperçu tout de même :

Ninepence Worth Of Walking - Original - Duncan Brownes Ninepence Worth Of Walking - Duncan Browne

Sérénité

2009-11-22T11:37:00.004+01:00

"Serenity" est un morceau de Coltrane qui apparait sur les albums "First Meditations" et "Meditations". Le premier, bien qu'enregistré en 1965, n'est sorti qu'en 1977, Coltrane n'en étant pas satisfait. Il était en pleine transition vers le free et le quartet ne lui suffisait plus. Il s'est alors payé le luxe de réenregistrer complètement cet album avec deux musiciens de plus : Rashied Ali et Pharoah Sanders.
Ces albums sont fantastiques tous les deux, et l'un ne va pas sans l'autre, mais, en ce qui concerne "Serenity", j'ai une préférence pour la version en quartet. La fin du morceau est pratiquement une démonstration de l'influence de Coltrane sur Jan Garbarek. Ajoutez la réverb sur le saxe et vous voilà transporté en Norvège.
Essayez voir !

Serenity
Album Version - The Classic Quartet-Complete Impulse! Studio Recordings - John Coltrane Quartet

Marchons avec Miles

2009-11-15T11:52:00.007+01:00

A l'instar de Picasso, Miles Davis est un artiste "à périodes" (évidemment, pour Miles, ces périodes sont toutes "kind of blue"). Les principales périodes de Miles sont bien connues : le bop, avec Parker et Gillespie, le cool, avec Konitz et Mulligan, le quintet avec Coltrane, le third stream, avec Gil Evans, le jazz modal avec Bill Evans, le deuxième quintet, avec Herbie Hancock et Wayne Shorter, la fusion, le funk, et pour terminer : la pop et le star system des années 80.

Il est une période que j'ai passée sous silence, parce qu'elle est souvent et malheureusement oubliée. Il s'agit de la période de transition entre le cool et la formation du quintet avec Coltrane.
On le sait, Miles n'était pas du genre à s'installer dans un style, même prospère. Il allait toujours de l'avant. Comme il le disait : "Ne m'aimez pas pour 'Kind of blue', aimez moi pour ce que je fais maintenant !".
Aussi, malgré le succès du style cool (surtout, il faut bien le dire, auprès du public blanc), a-t-il voulu en sortir. A l'époque (1954), Miles vient de se désintoxiquer assez violemment, et il rejettera le cool aussi durement qu'il a rejeté la dope, en inventant, avec Horace Silver, le Hard bop, une musique forte, plus simple que le bop, plus pêchue que le cool, et surtout : une musique exclusivement black (les blancs resteront englués dans le west coast, extension du cool sur la côte ouest, pendant de nombreuses années).
S'il est un disque à retenir de cette période, c'est "Walkin'". On y trouve la section rythmique de Miles à cette époque : Horace Silver, Kenny Clarke et Percy Heath, ainsi que les souffleurs JJ Johnson et Lucky Thomson, ce qui justifie grandement le sous-titre de "Miles Davis all stars" de ce magnifique disque.
Voici le premier titre de cet album, qui suffira largement à vous donner envie de chercher plus loin :

Walkin - Walkin - Miles Davis

My favorite things (6)

2009-11-02T18:49:00.001+01:00

Pour terminer en beauté avec "My favorite things", voici une version pour le moins inattendue : celle de Sun Ra sur le magnifique album, récemment réédité "Some blues but not the kind that's blue" (1977).
Cette version est unique : elle ne ressemble pas au morceau original, n'a rien à voir, non plus, avec la version de Coltrane, sans pour autant être déjantée, comme on pourrait s'y attendre avec Sun Ra.
Une pure merveille !

My Favorite Things - Some Blues But Not The Kind Thats Blue - Sun Ra, His Arkestra

My favorite things (5)

2009-11-02T18:48:00.002+01:00

Aujourd'hui, je vous propose une version plus classique que les deux dernières, mais qui reste d'essence coltranienne : Kenny Burrel, dont je ne suis pas un grand fan, mais qui rappelle un peu, ici, le Wes Montgomery de "Impressions".

My Favorite Things - Have Yourself a Soulful Little Christmas - Kenny Burrell

My favorite things (4)

2009-11-02T18:42:00.004+01:00

Après la version psychédélique free d'Alice Coltrane, que diriez-vous d'une version latino-funk ? Le brésilien Sergio Mendes, en 1968. Il est intéressant de noter à quel point c'est daté, alors que la version de Trane est intemporelle.
Ceci étant dit... J'aime aussi !

My Favorite Things
LP Version - Sergio Mendes Favorite Things - Sergio Mendes

A venir, demain et après-demain : une version plus classique mais superbe, puis une hénaurme surprise !

My favorite things (3)

2009-11-02T18:41:00.002+01:00

Passons à une version franchement coltranienne, voulez-vous ?
Et, pour ça, quoi de mieux que Coltrane... elle-même !
Attention quand même ! Si vous êtes allergique à l'orgue Wurlitzer, vous préférerez passer votre chemin. Je le suis, à vrai dire... mais je supporte le son de cet horrible instrument, comme prix à payer en contrepartie des arrangements de cordes, si originaux, de Mme veuve Coltrane.

My Favorite Things - World Galaxy - Alice Coltrane

My favorite things (2)

2009-11-02T18:07:00.003+01:00

La version chantée la plus connue est probablement celle de Julie Andrews, puisque c'est celle du film "The sound of music" en 1965 :

My Favorite Things - The Sound of Music - Julie Andrews

Mais, pour un amateur de jazz, il vaut mieux celle de Sarah Vaughan, en 1961, sur l'album "After hours" :

My Favorite Things - After Hours - Sarah Vaughan

Tout ça c'est bien beau, mais... aucun rapport avec la version de Coltrane !
Pour ça, il faut aller chercher Al Jarreau et, si vous n'en écoutez qu'une, que ce soit celle-là :

My Favorite Things - Tenderness - Al Jarreau

My favorite things (1)

2009-11-01T17:52:00.005+01:00

Quand on parle de "My favorite things" avec un amateur de jazz moderne, le nom qui vient tout de suite, bien sûr, c'est Coltrane. La plupart, comme moi, ont découvert ce standard de Rodgers & Hammerstein sur l'album de Trane du même nom.
Ce morceau le fascinait et il l'a très fréquemment joué, en explorant toutes les possibilités harmoniques, poussant parfois le morceau (j'allais dire : le bouchon) jusqu'à plus de 30 minutes !
Depuis les années 60, c'est la version de Coltrane qui est devenue le standard, au point qu'on pourrait presque le considérer comme le compositeur du morceau.

Pour le cas ou des amateurs, débutant dans le jazz, ne connaîtraient pas ce chef-d'oeuvre, je le mets en écoute dans sa version la plus fameuse, celle de l'album "My favorite things" de 1960. C'est l'un des plus beaux morceaux de jazz que je connaisse, et le solo très Debussyste de McCoy Tyner m'enchante au moins autant que ceux de Trane.

Au cours de la semaine, je mettrais en écoute d'autres versions, pré et post coltraniennes, mais déjà, vous pouvez mesurer le fossé entre la version d'origine de Mary Martin (pour le show de Broadway, "The sound of music") et celle de Coltrane, enregistrée seulement un an après !

My Favorite Things LP Version - My Favorite Things - John Coltrane

Je ne descendrais pas LaMontagne, même à cheval !

2009-10-25T18:53:00.001+01:00

Pour une fois, et pour prouver que je suis aussi capable de m'intéresser à la musique d'aujourd'hui, pour peu que ça ne soit pas du jazz revival, je vais faire une petite note sur un artiste du courant "new folk", que j'écoute beaucoup en ce moment, parce que ça me détend.
En plus, il a un nom qui incite à faire des jeux de mots vaseux (ce qui me détend aussi !) : Ray LaMontagne.

Je dis que cette musique détend, mais je sais que cet avis ne sera pas partagé par tous. En effet, la musique de Ray est du genre folk dépressif, un peu à la Nick Drake, si vous voyez ce que je veux dire ! La plupart des morceaux sont calmes et lents, incitent à la méditation... et à aller se coucher.
Mais quelle voix ! Imaginez une telle voix greffée sur les génies de la folk que sont Bob Dylan et Neil Young, ça changerait tout non ? Je vous dis ça, moi qui ai fait l'impasse pendant 20 ans sur Neil Young, à cause de son horrible falsetto.
Trois disques sont sortis à l'heure actuelle, "Troubles", "Till the sun turns black", et "Gossip in the grain", en 2004, 2006 et 2008. Ils ont tous été acclamés par la critique, mais on imagine bien qu'il est attendu au tournant (en 2010, sans doute, car il semble avoir la phobie des chiffres impairs), juste pour le plaisir d'écrire : "LaMontagne a accouché d'une souris".

En écoute : "Let it be me", que je traduirais, très librement, par : "Bof, après tout, s'il en faut un... autant qu'ce soit moi !"

Let It Be Me - Gossip in The Grain
Standard DMD - Ray LaMontagne

Si, Naima !

2009-10-17T18:24:00.007+02:00

Je rebondis un peu tard, car je n'ai pas son abattage, sur une note de blog de Ptilou à propos du "Naima" de Coltrane.
Il existe une version encore plus belle, à mon humble avis, que celle de l'album "McCoy Tyner plays John Coltrane", c'est la version solo de l'album "Echoes of a friend" de 1972, dont j'ai déjà parlé dans cette note, où vous trouverez ce morceau en écoute.

Mais ce que je vous propose aujourd'hui est beaucoup plus rare : Eric Dolphy jouant "Naima" à la clarinette basse, à la radio à Paris en 1964. Le morceau est très long (environ 15'), et commence par une introduction à la clarinette basse seule, où il est très difficile de reconnaître le thème, jusqu'à son énoncé, à l'unisson, vers 2'.
A noter : la présence à la trompette de Donald Byrd, et l'utilisation de congas.

Régale-toi, Ptilou !

Kulu Se Mama

2009-10-11T11:32:00.007+02:00

Pour rappeler ce que le Free Jazz, tendance World, de Pharoah Sanders doit à Coltrane , en voici l'une des plus fantastiques illustrations : Kulu Se Mama.
Ce morceau de 18 minutes constituait la face 1 de l'album du même nom, enregistré en 1965 et sorti par Impulse en 1966.

Un album bancal, puisque la face 2, d'une quinzaine de minutes comportait deux morceaux enregistré avec le fameux quartet, "Welcome" et "Vigil", qui semblaient à des milliers d'années-lumière du déchaînement free de la face 1. Ce disque n'est jamais sorti tel quel en CD. On commencera par lui adjoindre deux morceaux supplémentaires d'une autre session, pour équilibrer ("Selflessness" et "Dusk Dawn"), puis finalement, l'album disparaîtra du catalogue pour être éclaté sur deux autres disques, "The Major Works of John Coltrane" pour la face 1 et "Transition" pour la face 2.

C'est donc cette face 1 qui m'intéresse aujourd'hui. On y trouve, en plus du quartet, Pharoah Sanders évidemment, ainsi que Donald Garett à la clarinette basse (pour la petite histoire, il s'agit de la clarinette basse d'Eric Dolphy, que les parents de celui-ci ont offert à Coltrane après la mort de leur fils), Frank Butler comme deuxième batteur, et surtout Juno Lewis au chant et aux percussions. C'est lui, Lewis, le compositeur de ce morceau, poème dédié à ses "deux mère" : sa mère biologique et sa mère la Terre. Sa psalmodie rend ce morceau étrange, obsédant, trippant, unique dans la discographie de Coltrane.

Kulu Sé Mama (Juno Sé Mama) - Kulu Sé Mama - John Coltrane

Tiers monde underground

2009-10-04T12:10:00.006+02:00

Il est des chefs-d'oeuvre qui restent malheureusement cachés. C'est le cas de celui-ci, qui est quasiment inconnu, même des amateurs éclairés de ses protagonistes : Dollar Brand , Carlos Ward et Don Cherry.
Pour le trouver référencé, il faut tomber sur une discographie très pointue de Dollar Brand. Rien que pour en trouver une image sur le web c'est difficile, comme en témoigne la pauvre qualité ce cette photo.

Les circonstances de cet enregistrement sont vaguement connues : apparemment Brand et Ward, qui jouaient ensemble depuis quelques temps, sont tombés sur Don Cherry à Copenhague et ont enregistré cette session en public : deux longs morceaux, en fait deux medleys de titres de Brand, bien que le premier soit intitulé "Don's Song".
Pas de bassiste, ni de batteur. Quand Cherry joue de la trompette, Ward fait les percussions, et inversement quand Ward est au saxo.

Ce qui rend ce disque fabuleux, c'est le côté hypnotique de la musique, dû principalement aux motifs rythmiques répétés au piano. L'ensemble est franchement trippant et cet extrait (le début du premier morceau, "Don's Song") vous en convaincra sûrement :

Voyage dans l'espace - 3ème étape

2009-09-27T11:31:00.002+02:00

Pour cette troisième étape à la découverte de Sun Ra, vous pouvez choisir n'importe quel album des années 60, ils sont tous d'écoute relativement accessible. Avec une précaution cependant : assurez vous que Sun Ra joue du piano sur l'album. Sinon, ça signifie qu'il se cantonne à l'orgue, et là... c'est beaucoup plus rugueux ! En ce qui me concerne, je déteste l'orgue dans le jazz et, même si le jeu de Sun Ra est rien moins qu'académique, j'ai beaucoup de mal à accrocher, le préférant au moog, mais pour ça, il faut attendre les années 70.
Pour cette approche du Sun Ra des années 60, un disque s'impose pour commencer : "The futuristic sounds of Sun Ra". Sun Ra s'en tient au piano, Gilmore joue de la clarinette basse en plus du ténor, on entend parfois Marshall Allen à la flûte et, surtout, une variété d'instruments à percussion, qui donnent à l'ensemble une connotation world très agréable. Quelque chose à mi-chemin entre Mingus et le Pharoah Sanders des années 70.
Je mets en écoute le morceau le moins accessible, "The beginning". C'est un test ! Si celui-là vous plaît, alors vous vous régalerez de l'album entier et vous serez prêts à explorer le Sun Ra des années 60 : "Cosmic tones for mental therapy", "Secrets of the sun", "Art forms of dimension tomorrow" et autres "Nothing is".

L'ivre d'images sur son nuage

2009-09-20T10:06:00.020+02:00

Quand j'ai appris la terrible nouvelle, le décès de François Roudot, alias Roudodoudourou, une chape de tristesse s'est abattue sur moi. Presque un mois s'est écoulé et cette tristesse est toujours là. Aussi, au moment de lui rendre hommage au sein du Z-Band, de lui choisir un disque pour l'au-delà, la musique qui me venait à l'esprit n'était pas du jazz, musique rarement mélancolique, mais plutôt du classique, ou bien les ballades déchirantes de Nick Drake.
Et puis, je me suis souvenu d'une voix charriant des torrents d'émotion : celle de Billie Holiday.
Quand le Z-Band préparait son rendez-vous trimestriel sur les voix féminines, François râlait (gentiment, comme à son habitude) parce-que j'avais choisi Jeanne Lee avant lui, et se demandait s'il n'allait pas choisir "Billie Holiday, carrément !". Je lui avais alors répondu que j'adorerais lire sa prose, magnifiquement lyrique, sur la grande Billie.
C'est donc moi qui vais devoir m'y coller, mais je resterais humble, car je suis loin d'avoir le talent de François. Je crois bien, d'ailleurs, que je vais laisser Billie parler... carrément !

Une petite explication, quand même sur le choix d'un disque, "Lady in Satin" dont les arrangements sont d'une platitude absolue, sirupeux à souhait. Tout simplement : avec un tel accompagnement, la voix de Billie est comme un diamant qui se détache d'une gangue de fange, on n'entend qu'elle et on oublie tout le reste. Rappelez-vous, l'effet était le même avec le "Wonderful World" de Louis Armstrong, avec Dinah Washington ("It's Magic") et aussi avec "Charlie Parker with strings", tous ces enregistrements qui ont fait hurler les puristes, mais qui ont fait apprécier ces sublimes voix au plus grand nombre, et qui restent encore très écoutés aujourd'hui.

Cher François, ce n'est pas un disque que je voudrais t'envoyer, sur ton nuage. C'est cent, mille, et plus encore. N'oublions pas que, comme le dit si bien Woody Allen, "l'éternité c'est long, surtout vers la fin !", et il ne sera pas dit que j'ai laissé partir un ami sans au moins un disque de Monk ! En voici un qui me plait particulièrement : "Thelonious alone in San Francisco", qui présente... comment dire ? Monk tout seul à San Francisco, quoi !
Le morceau extrait ci-dessous a la particularité de n'avoir jamais été rejoué ensuite par Monk. Il est juste pour toi...

Round Lights Album Version - Thelonious Alone In San Francisco - Thelonious Monk

D'autres membres du Z-Band rendent hommage à François Roudot.
Allez donc faire un tour sur :
Ptilou's blog
Jazzques
JazzOcentre
Jazz à Paris
Jazz Frisson
Belette & Jazz
Maître Chronique
Z et le Jazz
The Backstabber

Le chant de l'ange

2009-09-13T22:19:00.004+02:00

Que voulez-vous ajouter à ça... ?

Caravan (6)

2009-09-06T11:36:00.002+02:00

Juste pour le plaisir de rendre cette série parfaitement symétrique, je termine par un guitariste, Les Paul, dont l'apport à la guitare est énorme sur le plan technique mais, malheureusement, très faible sur le plan artistique. Ce morceau, en tout cas, est superbe :

Caravan - The Genius of Les Paul - Les Paul

Caravan (5)

2009-09-05T19:00:00.003+02:00

Randy Weston est un autre africain inspiré par Duke et surtout par Monk. Lui aussi, comme Abdullah Ibrahim a souvent rendu hommage à ses deux principaux inspirateurs et, comme lui, il sait rendre neuf un thème usé jusqu'à la corde. La preuve :

Caravan Instrumental - Portraits - Randy Weston

Caravan (4)

2009-09-02T22:14:00.002+02:00

Quant à Art Blakey, il a enregistré en 1962 un album intitulé "Caravan", qui démarre sur ce morceau.
Inutile de dire que le reste du disque est tout aussi enthousiasmant. Il suffira de préciser les noms des Jazz Messengers de l'époque : Curtis Fuller, Freddie Hubbard, Wayne Shorter, Cedar Walton, Reggie Workman !

Caravan Album Version - Caravan [Keepnews Collection] - Art Blakey

Caravan (3)

2009-09-01T22:47:00.003+02:00

Et puis bien sûr, il y a Monk, qui a joué "Caravan" sur le superbe album "Thelonious Monk plays Duke Ellington" (1955), et aussi en concert à Berlin en 1969, comme on peut le voir sur cette vidéo. Comme toujours, quand il reprend les thèmes des autres, il en fait du Monk, c'est à dire ce qu'il y a de mieux au monde !

Caravan (2)

2009-08-31T22:07:00.005+02:00

Quand Abdullah Ibrahim, alias Dollar Brand, rend hommage à Duke Ellington, l'une de ses principales influences, il ne se contente pas de jouer les standards du Duke. Il les arrange à sa sauce, y incorpore ses autres influences (Monk, la musique des townships) et aussi ses propres compositions.

Sur ce superbe album de piano solo, "Ode to Duke Ellington", qui date de 1973, il commence par "Impressions on a caravan", et c'est un peu comme Matisse citant Delacroix : un miracle de beauté et de subtilité !

Caravan (1)

2009-08-30T22:42:00.007+02:00

Quand on est petit garçon et qu'on entend le mot "caravan", on pense tout de suite à ça :

Il faut un peu de temps et de culture supplémentaires pour avoir à l'esprit la même chose que Duke Ellington quand il a composé ce morceau (avec Juan Tizol et Irving Mills), c'est à dire ça :

Ce célébrissime thème évoque en effet le balancement lent des dromadaires, et c'est exactement le but recherché, ce qui n'est pas le cas dans le Bolero de Ravel, rappelons-le !
On a tous, quand on est amateur de jazz, différentes versions de ce standard en tête. Tout au long de la semaine, j'en mettrais quelques-unes, parmi mes préférées, en écoute.
La première qui me vienne spontanément à l'esprit et à l'oreille c'est la version de Wes Montgomery dans "Movin' Wes". Le moins que l'on puisse dire c'est qu'ici les dromadaires semblent plutôt en train de sprinter pour arriver le premier à l'oasis. Jugez-en :

Caravan - Movin Wes - Wes Montgomery

François Roudot. Adieu l'artiste !

2009-08-26T17:50:00.005+02:00

Dieu n'existe pas...
... sinon François Roudot serait encore parmi nous et continuerait à nous éblouir par sa culture, son humour et ses merveilleux dessins sur son "L'ivre d'image".
En hommage attristé, je mets en lien l'une des premières pages de son blog qui me l'ait fait apprécier et d'où est tiré le superbe croquis ci-dessus : la chronique, en dessin d'un concert de Steve Coleman.
Dieu n'existe pas, non...
... ou alors c'est un con !

Ah, ah, ah oui vraiment...

2009-08-23T21:49:00.010+02:00

... Albert Roussel est épatant !

Vous avez peut-être remarqué, quand je veux parler d'une musique sublime, il faut toujours que je fasse le con pour compenser. La musique d'Albert Roussel est tellement belle que cette note a de forte chance de dépasser les limites que j'essaye de m'impartir.

Contrairement à Jean Cras, dont j'ai déjà parlé, qui était un marin compositeur, Albert Roussel était un compositeur marin.
Euh... je ne suis pas sûr d'avoir été bien clair. Je m'explique !
Jean Cras a navigué toute sa vie, et a composé en même temps, donc loin de Paris. Albert Roussel, lui, a quitté la marine pour composer, ce qui explique sa relative notoriété. Un jour, il a rendu la pelle, le seau et le pompon rouge (j'exagère, il était officier !), il a vidé le sable de ses oreilles et s'est mis à étudier le contrepoint (une mesure à l'endroit, une mesure à l'envers...).
Oui, oui, le contrepoint ! Autant dire qu'il n'est pas un dynamiteur de formes comme Debussy. Mais il possède une sensibilité qui l'en rapproche. En gros, si Debussy avait écrit des symphonies (loin de lui cette idée !), elles auraient probablement sonné comme celle d'Albert Roussel.
Jugez-en par vous-même avec ce qui suit (1ère et 2nde symphonies) :

Roussel: Symphonies Nos. 1, 2 -

Mais ce n'est pas par ses symphonies, aussi belles soient-elles que j'ai découvert Albert Roussel.
C'est par là, flûte !
Pardon !
C'est par la flûte... traversière, pour laquelle il a écrit de merveilleuses pages de musique de chambre : sérénade pour flûte, violon, alto, violoncelle et harpe (1925), trio pour flûte, alto et violoncelle (1929), et cet "Elpenor" pour flûte et quatuor à cordes (1937, soit l'année de sa mort), ce dernier étant un poème radiophonique (à cette époque, "poème" et "radio" n'étaient pas si antithétiques) :

Roussel - Elpenor

Une petite photo pour terminer ?

Oups ! Mon doigt a glissé.
Je sais, c'est intolérable ! Je demande pardon à tous les amateurs d'Albert Roussel. Voilà sa vraie trombine :

Allez, bon vent ! Et, promis, si un jour je parle d'Annie Cordy, je serai sérieux comme un pape !

Oh, et puis kraut !

2009-06-28T11:53:00.008+02:00

Pour ma dernière note avant de prendre des vacances bien méritées et me sevrer d'internet, j'ai choisi de vous parler de Popol.
Je sais, vous vous dites :"ça y est, on est en train de le perdre !"
Que voulez vous, il est difficile de trouver une accroche sérieuse pour parler d'un artiste qui s'appelle Fricke, dont le nom de groupe est Popol Vuh, et qui joue du krautrock !

Pour commencer, "Popol Vuh" n'est pas, comme on pourrait le croire, un code de la police allemande pour dire "j'ai repéré un exhibitionniste". Il s'agit du nom du livre sacré des mayas. Ah ! ça a plus de gueule, tout d'un coup, non ?
Poursuivons... "Fricke" ne se prononce pas "fric" mais "friqueu". Aïe, je me rend compte en l'écrivant que ça nous rapproche de popaul... passons !
Quant au terme "krautrock", il signifie "rock choucroute" mais, rappelons nous que les termes "jazz", "funk", "punk", sont aussi des appellations très péjoratives à l'origine.

Parlons donc un peu de popol Vuh, dont le leader est le mystique Florian Fricke ! A vrai dire, j'envie ceux qui ne le connaissent pas encore et qui vont le découvrir. Pour moi, ce groupe, comme beaucoup d'autres groupes de krautrock, enfonce tout le progrock anglo-saxon. Et je vous dis ça, moi qui adore Soft Machine, Henry Cow, Hatfield and the North, et autres King Crimson ! Pour commencer, les groupes de kraut avaient à leur disposition les meilleurs ingénieurs du son de l'époque (qui travaillaient avec Stockhaüsen !), alors que le rock anglais donne l'impression d'avoir été enregistré avec un micro placé dans un seau d'eau. Le son des disques de Popol Vuh est extraordinaire et contribue au fait que leur musique n'ait pas pris une ride.

Le style, maintenant. Premier disque en 1970, "Affenstunde" (l'heure des singes) est un mix de musique cosmique et tribale, unique en son genre à ma connaissance. Ensuite, "In den Gärten Pharaos" est un grand trip psychédélique et un sommet du genre. Les disques suivants relèvent tous de l'ambient, mais une espèce de contraire de la dark ambient, une bright ambient, en quelque sorte. Même lorsqu'ils enregistrent la bande son du Nosferatu de Werner Herzog (qui les a embauché sur la plupart de ses films), ils font une musique éthérée et lumineuse. Il y a fort à parier que, si Ridley Scott avait fait appel à eux plutôt qu'a Vangelis pour "Blade Runner", le film n'aurait pas pris le même coup de vieux !

Pour terminer, deux superbes exemples : "Ah !", tiré de "Hosianna Mentra", l'un des disques les plus poétiques que je connaisse, et "Morgengruss II", qui a notamment servi pour la bande son de "Aguirre".

Ah! - Hosianna Mantra - Popol Vuh

Morgengruss II - Aguirre - Popol Vuh

A choeur et à voix : Jeanne Lee

2009-06-21T22:54:00.004+02:00

Le Z-Band se regroupe, encore une fois, pour parler des voix du jazz, et j'ai choisi d'évoquer la grande Jeanne Lee.

Il y a très peu de chanteuses de jazz qui m'intéressent ; trois, en fait, chacune menant à la suivante de façon naturelle : Billie Holiday, Abbey Lincoln, Jeanne Lee.
Billie va directement au coeur, à l'âme et aux tripes : elle n'est pas seulement émouvante, elle est bouleversante.
Abbey Lincoln, c'est le passage au jazz moderne, revendicatif, fortement politique et débarrassé de l'obligation de plaire au plus grand nombre.

Voyons comment Jeanne lie ces deux artistes à son propre art :

" La personne qui m'a laissé la plus grande impression, par sa façon de vivre, autant que par la manière dont elle utilisait sa voix est Abbey Lincoln. Pour la crédibilité de son art, et sa propre réalité, et pas tant que ça comme un 'style'. C'était comme utiliser l'énergie comme une peinture. Billie Holiday aussi, mais elle vient d'une autre ère. Billie possède la même sorte de chose, musicalement, mais Abbey fait progresser cette sorte de compréhension. Abbey est plus humaine, ce n'est pas juste une femme qui est victime de son rôle. Cette femme a rendu possible pour moi d'avoir foi en le fait que je suis une poète et que je n'avais pas à chanter des standards pour être une chanteuse de jazz. Je pouvais trouver une voie en transcrivant ma propre perception en termes musicaux."

Et il faut bien se rendre à l'évidence , Jeanne Lee est la seule et unique virtuose de son instrument : sa propre voix. Elle passe délicatement l'archet sur ses cordes vocales, et vibre de toute son âme. En fait, ce n'est finalement pas du jazz vocal mais bien instrumental ; le chant de Jeanne étant plus proche d'un solo de saxophoniste que de celui d'une banale chanteuse de jazz. Il ne s'agit pas de scat vocal, qui n'est somme toute qu'une imitation de l'instrument par la voix, mais bien d'un instrument à part entière.
Des spécialistes se sont penchés sur sa technique, ou plutôt ses techniques , de chant. Certains ont dit son style influencé par celui de la chanteuse péruvienne Yma Sumac, dont la formidable voix couvrait 4 octaves et demi. Mais il n'est pas nécessaire d'être musicologue pour l'apprécier, il suffit de se laisser porter par la beauté de l'improvisation, sans chercher à comprendre le sens des paroles.
Une chose est sûre : Jeanne lit, et écrit ! Elle prend souvent comme point de départ de son improvisation un poème dont elle triture le sens, les sons, le rythme. Et ce qu'elle en fait est unique dans le jazz. Voici un poème de son invention, tiré de "Conspiracy" :

"THE MIRACLE IS"

The miracle is... that the layers continue
to be stripped away each time uncov'ring
a center more brilliant and revealing
than the one before.

Amazing... that this should be the way
our love our knowledge and our lives
keep
unfolding
together
leaving us constantly renewed.

Knowing you exist anywhere in this universe
makes my world that much larger
and that much more filled
with light.

Bon , c'est bien joli tout ça, mais où trouver des disques de Jeanne Lee ? Eh bien... il y en a peu ! Sous son nom, à vrai dire, il n'y en a que deux : "Conspiracy" en 1974 et "Natural affinities" en 1992. Il faut dire que la dame est tout aussi intéressée par la poésie et la chorégraphie que par la musique, et on la trouve surtout sur les disques des autres. Avec Ran Blake, avec qui elle a commencé en 1961 ("The newest sound around", un disque qui fit grande impression), Mal Waldron, et surtout Gunther Hampel, son mari. On la trouve aussi chez Braxton, chez Roland Kirk, Cecil Taylor...
Trois grands chef-d'oeuvre du free jazz n'auraient pas été ce qu'ils sont sans sa présence : "Escalator over the hill", l'opéra-jazz de Carla Bley, "Afternoon of a Georgia faun" de Marion Brown et, mon favori , "Blasé" d'archie Shepp.

Un court extrait de "Natural affinities", pour donner envie : "Free space".

Free Space Instrumental - Natural Affinities - Jeanne Lee

Au menu de cette édition du Z-Band :

Jazz Frisson : Karen Young
Jazz à Paris : Jazz Divas
Jazz O Centre : Patricia Barber
L’Ivre d’Images : Anthony Joseph and the spasm band
Maître Chronique : Kurt Elling
Belette & Jazz : Petra Magoni (musica nuda)
Ptilou’s blog : Elizabeth Kontomanou

Côte ouest, mais pas West Coast !

2009-06-14T10:53:00.009+02:00

Quand je vois que l'on range le Chico Hamilton Quintet dans la catégorie West-Coast, sous prétexte qu'il était basé à Los-Angeles, ça m'énerve !
Pour moi, le West-Coast, c'est un jazz d'imitateurs blancs, tout dans la pose romantique du jazzman torturé, jouant des ballades déchirantes dans un bar enfumé.
C'est au jazz ce que Bernard-Henri Levy est à la philosophie : enlevé le col de chemise blanc, il ne reste rien !
Le West-Coast, c'est du jazz qui n'évolue pas, qui n'invente pas ; du jazz momifié, mais une momie bien propre, avec les bandelettes bien blanches et bien parallèles.

La musique de Chico a beaucoup évolué au cours des années, et si l'on veut cataloguer ce premier disque, "Spectacular", enregistré en 1955, il faudrait plutôt le rapprocher du Third Stream, mélange de classique et de jazz. On trouve d'ailleurs sur ce disque un violoncelliste, Fred Katz, et le superbe multi-instrumentiste Buddy Collette (qui fut le professeur de Mingus), à la flûte traversière, dont il joue d'une façon très "musique classique". A la guitare : non moins que Jim Hall.

Chico a toujours eu dans son quintet un multi-instrumentiste jouant de la flûte et un guitariste ; c'est avec lui qu'ont débuté Eric Dolphy, Charles Lloyd, Gabor Szabo, Larry Coryell, j'en passe, mais des moins bons !

Les disques de Chico Hamilton sont toujours à découvrir, ils sont réédités au compte-goutte. Le fait qu'il soit si difficile de trouver ses albums avec Eric Dolphy, par exemple, me laisse songeur.

En attendant, celui-ci est un classique, alors ne boudons pas notre plaisir. Voici l'une des plus belles versions que je connaisse de "My funny Valentine" :

Capitaine "Coeur de boeuf"

2009-06-07T18:39:00.002+02:00

J'ai pas trop le temps aujourd'hui ! Voici, en tout cas, ce que je suis en train d'écouter en ce moment : "Mirror Man" de Captain Beefheart. Une musique trippante et roots à la fois, que l'on pourrait qualifier, en doutant d'être compris, de krautblues !

Voyage dans l'espace - 2ème étape

2009-05-31T11:55:00.006+02:00

Pour comprendre où va Sun Ra, il peut être utile de savoir d'où il vient.
Les albums des années 50, ses premiers, en donnent un bon aperçu ; tout à fait accessible, mais déjà bizarre. On s'aperçoit de l'influence de Duke Ellington, couplée avec celle des étranges compositions de Herbie Nichols. Par moment, on croirait entendre un Mingus avant l'heure.

Un exemple ? "Angels & Demons at play", composé de deux sessions séparées de 4 ans : 1956 et 1960. On y trouve déjà John Gilmore et Marshall Allen ; on peut entendre ce dernier à la flûte sur le morceau en écoute : "Tiny Pyramids". Quant à Sun Ra, il alterne entre piano et orgue, et on sent qu'il a déjà entamé son voyage dans l'espace.
A suivre...

Voyage dans l'espace - 1ère étape

2009-05-24T10:36:00.005+02:00

Pour qui veut entrer dans le monde fantastique de Sun Ra, il est un écueil, et non des moindres : trouver la bonne porte ! Ouvrez une porte au hasard, et vous vous retrouvez en un enfer dont les oreilles non éduquées ne se remettent pas. Le terme "space" a été inventé pour lui, tant sa musique est étrange, irritante, velue, touffue. C'est le Douanier Rousseau revisité par Dali et par Bacon.
Je n'ai pas la prétention de connaître la porte idéale. De plus, cela ne suffit pas. Il faut ensuite sauter de porte en porte, s'enfoncer dans l'étrange par paliers, un pas après l'autre, "surtout, ne regarde pas en bas !", pour arriver au coeur de l'infini, où tout est musique, où ce qui vous avait semblé une horrible cacophonie devient, au minimum, audible.

"Lanquidity" (1978), me semble une porte sûre. Il s'agit d'une incursion de Sun Ra dans le funk. Du funk, donc accessible ! Oui, mais du funk à la Sun Ra, tout de même. C'est-à-dire que ça ne ressemble à rien de ce qui se faisait à l'époque dans le domaine de la fusion funk-jazz. Ce disque ridiculise tous les exemples du même genre par sa hauteur de vue. Vous y trouverez un premier morceau qui fait un peu penser à Mingus, suivi de trois morceaux avec un groove tranquille, dont "That's how I feel", que j'ai mis en écoute, et pour terminer, un morceau "space", mais qui reste accessible, pour commencer à se familiariser avec un Sun Ra plus habituel : "There are other worlds". Pour terminer, précisons que le terme "lanquidity" est fabriqué à partir de liquidity et de lanquid, qui signifie "alangui", et qu'il traduit bien l'atmosphère de cet album.
A suivre, pour les autres paliers... Attention, ne brûlez pas les étapes !

Brazil (6)

2009-05-17T11:27:00.001+02:00

Une version piano solo, pour terminer : Chick Corea (live).

Brazil Live - Solo Piano: Standards (Part 2) - Chick Corea

Brazil (5)

2009-05-14T17:50:00.004+02:00

C'est bien joli, mais toutes ces versions de "Brazil" se ressemblent un peu trop, non ?
Ecoutons donc, pour voir, cette version de Yusef Lateef, dont le moins que l'on puisse dire est qu'il ne fait pas tout comme tout le monde ! ("Yusef at Cranbook" en 1958)

Brazil (4)

2009-05-13T14:53:00.003+02:00

Encore une version de guitariste ?
Grant Green dans "The Latin Bit", en 1962 :

Brazil (3)

2009-05-12T12:00:00.002+02:00

Brazil - Jazz Picnic - Django Reinhardt

Django Reinhardt a été parmi les premiers jazzmen a reprendre "Brazil", peu après la sortie du film de Disney en France. Il l'a enregistrée plusieurs fois. Il faut dire que ce titre est un régal pour les guitaristes.

Plus récemment, c'est Sylvain Luc qui l'a enregistrée avec le trio Sud :

Brazil - Trio Sud - Sylvain Luc

Brazil (2)

2009-05-11T12:00:00.002+02:00

Brazil (Samba) - Saludos Amigos (disc 2) - Charles Wolcott

Composée en 1939 par Aracy Cortes, "Brazil", d'abord intitulée "Aquarela do Brasil", ne devint mondialement célèbre qu'en 1942, avec le dessin animé de Walt Disney, "Saludos Amigos" dont voici un extrait :

Brazil (1)

2009-05-10T11:27:00.004+02:00

Brazil - Geoff Muldaur - Brazil [Silver Screen Edition] - Michael Kamen

Je commence aujourd'hui une série de courtes notes sur ces morceaux, anciens ou récents, que tout le monde aime à reprendre et à fredonner, et que l'on peut regrouper sous le nom générique de "standards".

Mon premier choix fut d'abord relativement peu connu, ou du moins oublié, jusqu'à ce qu'il soit utilisé ,en 1985, dans le film qui porte son nom : "Brazil", de Terry Gilliam, l'un de mes films préférés.

Commençons donc par la version du film, enregistrée par Geoff Muldaur, guitariste de la scène folk américaine des années 60, principalement connu pour son arrangement de ce morceau, sélectionné au coeur de la meule.
Allez, cours Muldaur, parce que, si j't'attrape...

Tu veux du camembert ?

2009-05-03T11:47:00.005+02:00

Je fais partie de ceux qui trouvent Christian Vander mortellement sérieux et la musique de Magma trop souvent sinistre. Je lui préfère Daevid Allen, transfuge de Soft Machine venu s'installer en France, et son groupe Gong, communauté hippie farfelue, bref : tout le contraire de Magma dont les musiciens marchaient à la schlague.
Avouez qu'il faut oser appeler un disque "Camembert électrique", théière volante ("flying teapot"), ou encore l'oeuf de l'ange "Angel's egg" ! Après tout, un ange c'est de la volaille, et la volaille, ça pond des oeufs !

La musique de Gong est un grand foutoir génial, dont voici un aperçu :

Un nouveau coup de soleil

2009-04-28T19:10:00.002+02:00

Encore un extrait de "New Steps", pour l'influence ellingtonienne.
Là où il n'y a pas de soleil, il y a quand même Sun Ra !

Dans l'ombre du soleil

2009-04-25T18:21:00.005+02:00

Il est des artistes de talent qui se satisfont de rester dans l'ombre d'un génie, y trouvant tout ce qu'ils cherchent pour s'épanouir. Charlie Rouse, avec Monk, en est l'un des exemples les plus connus.
Ce qui est plus étonnant, c'est quand l'artiste en question est plus que talentueux. Quand tout le monde sent qu'il a un énorme potentiel et pourrait jouer un rôle plus important. C'est ainsi qu'à la surprise générale, John Gilmore, saxophoniste de l'étoffe des Coltrane, Rollins ou Kirk, a préféré faire toute sa carrière dans l'Arkestra de Sun Ra. Certes, en écoutant Sun Ra, on profite des solos de Gimore, mais le moins que l'on puisse dire est que, dans le foisonnement du collectif, il reste plutôt anonyme !

Pour preuve, cette courte et rare vidéo, où on ne le voit même pas :

Heureusement, en 1978, Sun Ra a tourné en quartet, le temps d'enregistrer quelques disques qui mettent en lumière son saxophoniste fétiche, en compagnie du trompettiste Michael Ray et du batteur Luqman Ali.

Parmi ces quelques rares albums, "New Steps" est une pure merveille. Il commence par une superbe version de "My favorite things" (en écoute plus bas), très différente de celles de Trane. On enchaîne sur un morceau où Ra utilise le synthé (le seul de l'album), pour nous emmener là où il se sent le mieux : dans l'espace ("Moon People"). Le reste est tout aussi formidable, qui permet d'apprécier les talents de pianiste de Sun Ra dans un cadre plus intimiste que celui de l'Arkestra et de mesurer ce qu'il doit à Duke Ellington.
En bref, c'est là un disque que l'on peut recommander à ceux qui adorent Sun Ra comme à ceux qui le détestent, non sans une certaine pointe de cruauté, tant il reste difficile à trouver !

Allez, c'est pas si grave !

2009-04-19T16:34:00.006+02:00

Si, comme moi, vous êtes fascinés par la voix grave de Nico sur l'album "à la banane" du Velvet Underground, alors vous devez absolument connaître ses albums en solo, produits pour la plupart par John Cale.
Le premier, "Chelsea Girl"(1967) est le plus accessible et, sans doute, le plus beau. C'est une perle de folk sombre qui a influencé énormément d'artistes, et non des moindres, à commencer par Leonard Cohen, et probablement aussi Nick Drake.
En voici un extrait, à tomber par terre :

Nico

Pour savourer les autres albums, il faut s'accrocher un peu plus, mais ils en valent la peine. A tous points de vue, Nico est un cadeau !

J'ai été attaqué par des belettes...

2009-04-14T10:16:00.005+02:00

... du coup, j'ai pas trop eu le temps de broder, alors voilà :

Frank Zappa

C'est du Zappa post "Uncle Meat", toujours avec les Mothers mais dérivant franchement vers le jazz, avec la quitare de Frank de plus en plus présente... ma période favorite de Zappa (de 69 à 72).

Permission de descendre à terre

2009-04-05T22:25:00.000+02:00

Tom Waits : "Shore leave", version extraordinaire, tirée du film "Big Time".

Remettons ça, Annette !

2009-03-29T11:33:00.009+02:00

Des expérimentations de Paul Bley avec Annette Peacock, il reste heureusement quelques traces en concert, datant de l'année 71. Avec un peu de chance, on peut donc trouver "Dual Unity", qui relève plus du krautrock que du free jazz, ou alors, plutôt du jazz frit ! Ou encore "Improvisie", qui s'apparente à de l'ambient. Tout cela fait beaucoup penser aux premiers disques de Faust ou de Kraftwerk.
Un exemple ? Accrochez-vous, nous traversons une zone de turbulences, voici "Gargantuan encounter", tiré de "Dual Unity" :

Paul Bley et ses muses

2009-03-22T11:05:00.001+01:00

Quelque part à mi-chemin entre Keith Jarrett et Cecil Taylor, et peut-être oscillant entre les deux, se trouve un pianiste magnifique qui peut satisfaire ceux qui sont fatigués de l'exhibitionnisme de l'un et effrayés par la radicalité de l'autre. Je veux parler de Paul Bley.
Avant tout, Paul Bley est un instrumentiste virtuose. A cinq ans, il est déjà un prodige du violon, à huit ans il commence le piano et entre au McGill Conservatorium de Montreal, à onze ans il obtient son diplôme. A 23 ans (en 1953), après avoir joué à la télévision canadienne avec Charlie Parker himself, il enregistre son premier disque en trio avec rien de moins que Charles Mingus et Art Blakey ! C'est lui qui mettra le pied à l'étrier à Ornette Coleman, en l'engageant avec Don Cherry, Charlie Haden et Billy Higgins en 1958, au Hillcrest Club de Los-Angeles.
Pour ce qui est de la composition, Paul Bley s'en remet à ses femmes, Carla Bley pour commencer, puis Annette Peacock, toutes deux formidables créatrices et innovatrices. Voici un bel exemple composé par Carla : "Ida Lupino", morceau tiré de l'album en solo "Open to Love" (1972), qui a, très certainement, fortement influencé Jarrett :

Paul Bley

Pour se faire une idée de l'originalité d'Annette Peacock, bien moins célèbre que Carla, il faut s'écouter cet album incroyable et malheureusement difficile à trouver : "The Synthetiser show" (1970). Cet album est ni plus ni moins qu'un cas extrèmement rare de krautjazz. Il faut dire qu'Annette Peacock est une pionnière de la musique électronique, l'une des premières à avoir utilisé un orgue Moog et à avoir trituré électroniquement sa voix. En voici un extrait :

En dix ans de mariage, pour Carla Bley (1957-1967) et cinq ans, pour Annette Peacock (1967-1972), ces deux femmes auront eu une profonde influence sur la musique de Paul Bley. Dans chacun de ses disques on trouve une bonne proportion, si ce n'est la totalité de morceaux composés par ses deux muses.
J'ai déjà parlé, dans ce blog de Carla, il faut maintenant que je fouille un peu pour préparer une prochaine note sur Annette. A suivre donc...

Terminons par une vidéo, période Starsky & Hutch, pour faire un peu plus le tour du bonhomme :

Cordes & âmes : Nuances d'Hongrie

2009-03-15T23:59:00.006+01:00

Le Z-Band, collectif de blogueurs passionnés de jazz, se réunit à nouveau aujourd'hui sur le thème des guitaristes, et je n'ai pas pu faire autrement que de parler encore une fois de ma passion pour Gabor Szabo.

Le premier guitariste qui m'ait marqué est Manitas De Plata, dont mes parents avaient un disque. C'est un virtuose gitan qui a eu son heure de gloire et dont le surnom signifie ''mains d'argent''. Ce qui m'a fasciné dans sa musique, outre la virtuosité, c'est le côté trippant, cette espèce d'urgence qui vous fait décoller et respirer plus vite. Ecoutez-moi ça, et vous allez comprendre :

Plus tard, bien sûr, j'ai écouté Django Rheinhardt. Mais, malgré toute mon admiration pour lui, je n'ai jamais pu vraiment prendre plaisir à écouter cette musique, le swing (en pleine période bop, en plus !). Django en trio, ça me va. Quand Grappelli arrive, déjà je tique un peu (trop de pathos !), mais si une clarinette se pointe, alors là non, je fuis !
Il aura fallu un moment avant que je pense avoir trouvé le guitariste qui me convient le mieux : Wes Montgomery et son merveilleux jeu de pouce et, surtout, ce son de guitare que j'adore. En plus de cela, Wes avait su ne pas se cantonner au strict jazz.
Pour moi, la guitare jazz, c'est rapidement soporifique. Pour que ça m'intéresse, il faut que le guitariste s'encanaille dans le r'n'b, la pop, le rock ou la world music. Prenez Metheny, en voilà un qui a tout compris, il sait satisfaire les puristes avec de magnifiques albums que l'on écoute une fois l'an, admiratif, et aussi un public plus large avec le Pat Metheny Group, au sein duquel, visiblement, il s'éclate, et nous aussi ! Tout guitariste de jazz devrait se permettre, au moins de temps en temps, des écarts de ce genre. Et quelqu'un devrait souffler l'idée à Pat Martino, dont on dit qu'il est un guitariste pour guitaristes. C'est peut-être parce que je ne suis pas guitariste que je n'arrive pas à écouter l'un de ses disques jusqu'au bout (à part, éventuellement, le premier).

Pendant longtemps donc, ce fut Wes, Wes et encore Wes et, au moins autant : Santana. C'est en lisant une bio de ce dernier que je suis tombé sur cette information surprenante et capitale : la principale influence revendiquée par Santana est un guitariste d'origine hongroise au nom improbable de Gabor Szabo. A l'époque, le seul album de Gabor Szabo que j'ai pu trouver était "The sorcerer" (1967) et, à son écoute, j'ai pris l'une des plus grandes claques de ma vie de mélomane, une claque dont j'ai encore les marques, qui ne sont pas prêtes de s'effacer. J'avais trouvé mon guitariste idéal : le mélange parfait entre le trip de Manitas de Plata et le jeu de Wes Montgomery, et comme référence première, bien sûr : Django !
Si c'est la période la plus jazz de Szabo qui vous intéresse, il faut aller le chercher chez Chico Hamilton, dans le quintet duquel il a joué de 1961 à 1966, en compagnie de Charles Lloyd. Certains albums du Chico de cette époque peuvent presque être considérés comme des albums de Szabo, tant il y est omniprésent. En voici un exemple, tiré de "El Chico" (1965) :

En 1966, Szabo, qui est ouvert à tout type de musique, tombé amoureux de Lennon et McCartney, ne cesse de harceler Hamilton pour qu'il mette à son répertoire des titres des Beatles. "Allez, sois chic, oh Chico !" lui dit-il, "laisse-moi jouer Yesterday". Tous les jours, c'est du "Chic, oh Chico" par ci, "Chic, oh Chico " par là. On peut supposer qu'un jour, excédé, Chico a mis le ton et lui a dit : "Moi vivant, jamais ! ", puisque c'est cette année-là que Gabor quitte Chico et sort son premier album, "Gypsy '66", qui souvre sur... "Yesterday".
La liste est longue, des reprises des Beatles par Szabo, on en trouve sur presque chaque album. Vous en voulez un exemple ? Voici, peut-être le meilleur : "Lucy in the sky with diamonds" tiré de l'album "More sorcery" (1967), le seul qui me manque (sob !).

Mais Szabo ne reprend pas que les Beatles, vous trouverez aussi des reprises de Donovan, des Doors, de Joni Mitchell, de Bobby Womack ("Breezin'" a été composé par Womack, pour Szabo), des Four Tops etc... et, bien sûr, des thèmes traditionnels hongrois, mais aussi des expériences de raga indien ou des adaptations de thèmes classiques. Bref, la variété au sens noble du terme.
Pour ceux qui voudraient découvrir, chez Szabo tout est bon sauf deux albums calamiteux : "Sympatico", avec Gary McFarland, sur lequel, malheureusement... ils chantent, et "The Wind, the Sky & Diamonds", avec un horrible groupe de chanteurs californiens qui rendent l'ensemble quasi inécoutable.
Pour ce qui est du meilleur, maintenant, je recommande particulièrement "High contrast" (1971) qui démarre sur "Breezin'", pour ensuite ne jamais atterrir, et vous laisser dans un état avancé d'euphorie. Attention, ne pas écouter avant d'aller dormir !
Une fois pris, impossible de s'en passer. Pas une semaine sans que j'écoute au moins un disque de Gabor Szabo, et c'est le seul artiste de mon immense collection dont je puisse dire cela !
Pour terminer, vous voudriez peut-être le voir jouer ? Voici une superbe video tirée de la télévision hongroise, qui donne un bon aperçu de sa technique :

N'oubliez pas d'aller voir les autres contributions du Z-Band ! Au menu :

L’ivre d’image : ” Lionel Loueke “
Jazz Chronique & coup de coeur : ” Eric Lörher “
JazzOcentre : ” John Scofield “
Bladsurb : ” Manu Codjia “
Ptilou’s blog : ” Mike Stern ”
Maitre Chronique : ” John Mc Laughlin “
Jipes mood : ” Charlie Hunter”
Jazz Frisson ” Kurt Rosenwinkel “
Jazz à Paris : ” Marc Ribot ”
Backstabber “Adam Rogers”

Vous reprendrez bien un peu de daube ?

2009-03-08T10:33:00.003+01:00

Les limites de la daube issue des rangs des ex hard-boppers sont, pour moi, atteintes lorsque leur musique cesse d'être purement instrumentale. Quand, par exemple, Bobbi Humphrey, superbe flûtiste, se met à chanter, c'est une catastrophe ! Pas seulement parce qu'elle chante comme une casserole sans manche, mais surtout parce que la voix, mise en avant, cache tout le talent qu'il y a derrière, chez les instrumentistes.
Sur cet ultime album de Blue Mitchell, ça va encore. Ce ne sont que des choeurs et ils ne sont, clairement pas, en avant ! Quant au principal titre, "Summer Soft", de Stevie Wonder, je n'y vois rien à redire. Il y a, à cette époque (1978), dejà plus de 10 ans que le jazz a commencé à mettre à son répertoire les perles de la pop, des Beatles, de Simon & Garfunkel, de Stevie Wonder, de Carole King etc.
Amusez-vous à tester vos limites sur ce titre. Quant à moi, je me régale en ce moment de Paul Bley, ce qui ne m'empêche pas de reprendre encore un petit peu de daube, surtout lorsqu'elle vient de l'un de mes trompettistes favoris.

Commercial ?...Peut-être, mais Grant !

2009-03-01T12:11:00.003+01:00

La critique jazz a beaucoup reproché à certains artistes de Blue Note de s'écarter du hard bop et du soul jazz au début des années 70, et de mettre trop de r'n'b ou de pop dans leur mixture. Il est vrai que c'était pour eux un moyen de vendre plus de disques et d'arrondir leur fin de mois. Mais on passe sous silence le plaisir qu'ils ont pu avoir à jouer ces morceaux aux thèmes accrocheurs, que l'on aime toujours fredonner. N'oublions pas non plus qu'en jazz, le thème n'est pas l'essentiel, il n'est que le point de départ de l'improvisation et donc de la création.
Le disque "Visions" (1971), de Grant Green, a fait partie de cette production méprisée et, avec le recul, on se rend compte qu'il est très agréable à écouter. Il y a quelques années, j'aurais moi même rejeté un disque qui comporte dans sa liste de titres "Mozart's Symphony #40 in G minor" ! Mais après tout, ce n'est pas plus bête d'improviser à partir de ce thème qu'à partir de n'importe quel thème, tout aussi connu, de Gershwin, c'est juste moins courant.
Un petit aperçu video (sans images) de ce disque, que je recommande, bien qu'il soit pratiquement introuvable : le superbe "Maybe tomorrow".

Tu connais pas Duke ? Tu connais Pearson ?

2009-02-22T11:24:00.006+01:00

Bon je sais, pour un débutant dans le jazz, c'est pas facile de s'y retrouver avec tous ces patronymes qui se ressemblent. Vous connaissiez Duke Ellington, et vous voilà confrontés à Duke Jordan, Clifford Jordan, Clifford Brown, Brown Sugar... non, je m'égare !

Evidemment, Duke Pearson, dont il est question aujourd'hui, doit son surnom à une admiration du grand Ellington, celle de son oncle, qui le premier a su reconnaître son talent.
Pour tout amateur de Hard Bop, Duke Pearson est une référence incontournable. Il est l'une des chevilles ouvrières de la firme Blue Note, comme arrangeur et comme compositeur.
En même temps qu'il travaillait pour des stars en devenir comme Donald Byrd ou Lee Morgan, leur fournissant quelques tubes du Hard Bop, il enregistrait en leader des albums magnifiques, quoiqu'un peu tombés dans l'oubli, malheureusement.

Ecoutons-nous quelques morceaux, voulez-vous ?

Issus de l'album "Prairie dog" (1966), hautement recommandable, sur lequel jouent quelques grand noms de Blue Note comme Joe Henderson, George Coleman, Johnny Coles, James Spaulding :
Pour commencer, "The Fakir", avec un groove typique du Hard Bop. Puis "Hush-a-bye", une superbe berceuse, jouée en duo celesta-basse, avant d'aller vous coucher.

Mains d'argent

2009-02-15T18:26:00.004+01:00

J'ai retrouvé récemment sur Deezer le guitariste qui m'avait tant fasciné quand j'étais gosse : Manitas De Plata. Du coup, j'ai eu envie de chercher des vidéos. Que dire... c'est encore plus impressionnant ! Je me demande ce qu'ont pensé ses parents, à sa naissance, quand ils se sont rendu compte qu'il avait dix doigts à chaque main !

Il en reste encore quelques-uns...

2009-02-08T22:17:00.000+01:00

En attendant que j'ai le temps d'en parler plus longuement et, j'espère avant qu'il ne casse lui aussi sa pipe, voici une vidéo d'un saxophoniste alto qui mériterait plus d'attention qu'il n'en a eu : Sonny Simmons, ici avec Bobby Few, pianiste ayant joué avec Albert Ayler et Archie Shepp. Un moment de grâce, simple et envoutant.

Donald, sur la route du funk

2009-02-01T12:09:00.007+01:00

L'une des périodes les plus intéressantes de Donald Byrd est celle de la transition entre le hard bop et le funk, vers la toute fin des années 60. Après avoir subi l'influence de Clifford Brown, il décide alors de suivre l'exemple du Miles Davis de "In a Silent Way" et embauche un pianiste électrique (Duke Pearson) sur "Fancy free", pour la première fois, en 1969. Sa musique est, à mon goût, nettement plus variée que celle de Miles à la même époque qui, lui, en perpétuel précurseur, a basculé d'un seul coup du hard bop à la fusion. Le dernier album avant l'entrée dans le funk est "Kofi", en 1969, et c'est l'un de ses plus beaux disques. Le premier titre, "Kofi", que je mets en écoute, est une pure merveille, avec la superbe flûte de Lew Tabackin. On trouve aussi notamment sur cet album Airto Moreira, Ron Carter, Frank Foster et Duke Pearson.
Ensuite, en 1970, Donald deviendra Dingo, après avoir rencontré Tic & Tac (les frères Mitzell). C'est alors qu'un journaliste, croyant voir les dollars d'Onc' Picsou dans ses yeux, lui demanda "Vous ne voudriez pas faire du jazz, plutôt ?" que Byrd eut cette réponse magnifique : "Non, Pluto c'est le chien de Mickey, moi c'est Donald !"

Cet adagio commençait à me Barber

2009-01-25T21:35:00.000+01:00

Certes, nous pouvons nous rejouir après l'investiture d'Obama et espérer que les Etats-Unis vont reprendre leur place dans nos coeurs, mais... Est-ce que ça ne va pas nous priver d'autres merveilles dans ce genre : une adaptation de l'adagio de Barber, magnifiquement acidifié par la grande Carla Bley, lors de sa tournée avec Charlie Haden et le New Liberation Orchestra en 2003, intitulée "European Anti Bush & Cheney Tour" ?

Ch'est rigolo !

2009-01-18T17:38:00.003+01:00

Rendez-vous compte, en 1976, on pouvait voir ça à la télé en Italie : Don Cherry et une troupe de hippies attardés jouant une musique trippante et naïve à la fois ! Bon... c'était avant que les italiens aient la berlue !
A voir, c'est vrai que ça ferait plutôt rire, mais à écouter... ça n'a pas pris une ride. Moi en tout cas, je ne m'en lasse pas et j'y retourne, ça fait mal quand ça s'arrête (brusquement, d'ailleurs !). On s'étonne ensuite que j'ai du mal avec le jazz actuel et son son ( son son ça sonne sensass !) stéréotypé !

Mingus contre le courant

2009-01-14T18:05:00.008+01:00

Après ce mémorable rassemblement du Z-Band autour de Mingus, il me vient un regret. Aucun d'entre nous n'a évoqué les remarquables incursions de Mingus dans le Third Stream, ou Troisième Courant. Ce genre de mélange entre musique classique et jazz est, il est vrai, globalement stérile ; mais surnagent quelques joyaux lancés à la mer par de grands artistes non inféodés à ce courant du jazz, Ornette Coleman notamment, et bien sûr Mingus !
Tout commence avec la superbe composition "Half-mast inhibition" (half-mast signifiant "à mi-mât" et aussi "en berne", je crois que l'on peut y voir une allusion sexuelle, bien que je serais bien en peine de dire laquelle !), que Mingus porte en lui depuis ses 18 ans et qu'il avait laissée inachevée pendant une vingtaine d'années pour finalement l'enregistrer sur l'album "Pre-Bird".
La voici :

Découvrez Charles Mingus!

Ce morceau préfigure les deux chefs d'oeuvres à venir :

- The black Saint and the Sinner Lady en 1963, dont l'argument est un ballet, et qui reste un modèle indépassable de l'arrangement en jazz, dont voici le premier "mouvement" : "Track A - Solo Dancer (Stop ! Look ! And listen.)

Découvrez Charles Mingus!

- Let my Children Hear Music en 1971, pour grand ensemble, où l'on trouve notamment ce morceau : "Adagio Ma Non Troppo", entièrement basé sur une improvisation de Mingus au piano sur l'album "Mingus Plays Piano" en 1964 (soit sept ans de réflexion !).

Découvrez Charles Mingus!

Dans ces disques, Mingus montre tout ce qu'il doit à Duke Ellington et à ses grandes suites pour orchestre comme "Black, Brown and Beige".
Il est aussi symptomatique qu'il ait dit de ces deux enregistrements, après la parution de chacun d'entre eux qu'il les considérait comme ce qu'il avait fait de mieux !

Tous sur Mingus ! So long Eric

2009-01-11T23:59:00.005+01:00

Il est difficile de dire de quand date la première rencontre de Dolphy et Mingus, étant donné qu'elle remonte à leur jeunesse à Los-Angeles, bien avant qu'ils aient commencé leurs carrières en leader. Pour l'un comme pour l'autre, il arriva un moment où il fallut quitter la côte ouest et son jazz décoratif et ronronnant, et rejoindre New-York et son foisonnement créatif. C'est en 1959 que Dolphy débarque à New-York, au sortir de l'excellent quintet de Chico Hamilton. Rapidement il croisera la route d'Ornette Coleman et rejoindra celles de Coltrane et de Mingus, tout en commençant à enregistrer en leader. C'est pendant ces cinq années qu'il lui restait à vivre qu'il allait participer aux plus grandes oeuvres du jazz moderne, en pivot essentiel de cette époque bénie du jazz.
A la fin de l'année 59, Dolphy commence à travailler régulièrement pour Mingus, chez qui il pourra s'épanouir. "Mon premier travail régulier, c'est Chico Hamilton qui me l'a donné ; mais la liberté dans un travail régulier, c'est le cadeau que m'a fait Mingus".
Le premier album de Mingus auquel participe Dolphy est "Pre-Bird", intitulé ainsi parce qu'il met à jour des compositions de Mingus datant d'avant sa rencontre avec Charlie Parker qui provoquera un bouleversement profond dans sa musique, jusque là plutôt inspirée par Duke Ellington et Art Tatum. Dans ce disque, qui ressortira sous le titre "Mingus revisited", Dolphy n'est que peu présent, étant donné qu'il s'agit d'arrangements pour grand orchestre d'une part, et pour orchestre de 10 musiciens d'autre part.
Il faut attendre l'enregistrement à Antibes en juillet 1960 (lors du premier festival de Juan-Les-Pins) pour apprécier l'entente et l'émulation réciproque entre les deux géants. Ce disque est hautement recommandable tant les musiciens se transcendent. En plus de Dolphy, on y trouve Dannie Richmond (évidemment !), Booker Ervin au ténor, Ted Curson à la trompette et... Bud Powell sur un titre ! Ecoutez-moi sur "What love ?" cet échange entre Dolphy et Mingus, à la limite de la vocalisation (environ aux 3/4 du morceau si vous manquez de temps):

Découvrez Charles Mingus!

En janvier 1961, refusant de suivre Mingus qui désire retourner en Californie, Eric Dolphy quitte le groupe, après une intense période qui l'a vu participer au festival de Newport alternatif (Newport rebels) monté par Mingus, et surtout à l'enregistrement de l'un des sommets de sa discographie : "Charles Mingus presents Charles Mingus", contenant le fameux "Original fables of Faubus" (c'est-à dire la version non expurgée, avec les paroles, que Columbia avait eu peur de sortir l'année précédente sur "Ah Um"). On trouvera aussi Dolphy sur "Mysterious Blues", enregistré en plusieurs fois, à la même époque.
En octobre 1962, Dolphy revient chez Mingus, mais c'est pour l'enregistrement du calamiteux et pseudo "concert" au Town Hall de New-York. Il faudra attendre septembre 63 pour engranger un nouveau chef-d'oeuvre dans lequel Mingus revisite ses anciennes compositions en leur changeant complètement de nom. Il s'agit de "Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus" et Eric joue sur cinq morceaux sur huit, ne prenant un solo que sur l'un d'entre eux.

Dernière étape, la plus importante, l'année 1964 est l'époque des grands concerts : Cornell, Town Hall, Paris... avec des morceaux étirés sur 20 à 30 minutes, d'une intensité et d'une liberté incroyable. Et tout ça avec le meilleur groupe que Mingus ait jamais eu : outre Dolphy et Richmond, on y trouve Jaki Byard au piano, Johnny Coles à la trompette et Clifford Jordan au ténor. Il ne faut surtout pas faire l'impasse sur cette période extraordinaire !

Avril 64 : Mingus, comprenant que Dolphy a décidé de rester en Europe après la tournée lui dit "Tu vas me manquer, petit con !" et, quand on connait les manières abruptes, voire violentes de Mingus avec ses musiciens, on mesure derrière cet aveu, toute l'affection et l'immense respect d'un génie pour un autre, qu'il comprenait bien sûr ne pouvoir garder indéfiniment à ses côtés. La composition de Mingus en hommage à Dolphy traduit d'ailleurs cette crainte qu'il avait du départ de son souffleur préféré : "So long Eric", parfois sous-titrée "Don't stay here too long Eric". Longtemps j'ai cru que ce morceau était un hommage posthume à Dolphy, jusqu'à ce que je découvre, à mon plus grand étonnement, que celui-ci jouait dessus.
La meilleure version de ce morceau se trouve sur l'album "Town Hall concert" de 1964 et dure plus de 17 minutes, en compagnie de la plus grande merveille jouée par les deux complices : un "Meditation on a pair of wire cutters" (renommé ici "Praying with Eric") de 27 minutes qui vous laisse rêveur pendant un moment encore après. Mingus y joue de l'archet et Dolphy de la flûte et ils touchent tous les deux au sublime ! Malgré sa longueur, je le mets ici en écoute ; zappez un peu dessus et promettez-vous de retourner l'écouter en entier sur Deezer, vous ne le regretterez pas.

Découvrez Charles Mingus!

So long Eric, mort deux mois après ce superbe enregistrement !
So long Charles, dont le Z-Band célèbre le trentenaire de la mort !

Au menu :

- Z et le jazz : "Change One" & "Change Two"
- Ptilou's blog : l'autobiographie de Mingus, "Moins qu'un chien"
- Native dancer : "Charles Mingus presents Charles Mingus"
- Maitre Chronique : "Mingus Ah Hum"
- L'ivre d'image : "Blues and Roots"
- Jazz à Paris : L'évangile selon Saint Mingus
- Jazzques : "Mingus plays Piano"
- JazzOcentre : "Oh Yeah!"
- Backstabber : "Tujuana moods"
- Bien culturel : Mingus et moi

Erik satire

2009-01-04T15:50:00.002+01:00

Erik Satie est bien connu des musiciens de jazz, autant que Debussy et Ravel, bien que son importance dans la musique classique du vingtième siècle soit bien moindre, voire insignifiante à côté de ces deux géants. Ses gymnopédies et gnossiennes en sont évidemment pour beaucoup. Elles ont fasciné des générations de musiciens pour leur aptitude à susciter les rêveries orientales, et ceci avec une économie de moyens impressionnante. Les inventeurs du jazz modal sauront s'en souvenir, à commencer par Bill Evans dont le morceau "Peace piece" (que vous pouvez retrouver ici) s'inspire clairement de Satie.
Une autre raison de s'intéresser à Satie est son goût pour l'absurde et la provocation dada que l'on retrouve, non pas malheureusement dans sa musique, qui reste souvent très sérieuse, mais dans les titres de ses morceaux ainsi que dans les annotations des partitions, destinées à n'être lues que par les interprètes ("Vivache" à la place de Vivace, "De manière à former un creux"...).

Quelques exemples de titre d'oeuvres pour piano :

- Croquis et agaceries d'un gros bonhomme en bois
- Préludes flasques pour un chien
- Trois morceaux en forme de poire
- La belle excentrique, fantaisie sérieuse pour piano à quatre mains
- Embryons desséchés
- Les trois valses du précieux dégouté (une vacherie envers Ravel)
- Préludes en tapisserie

En écoute, deux morceaux :

- Tout d'abord, la première gymnopédie interprétée, sans valeur ajoutée d'ailleurs, par Yusef Lateef.
- Et, plus drôle, et même hilarant, "Chez le docteur", une de ces chansons alimentaires que Satie a par la suite reniées, sur des paroles du chansonnier Vincent Hyspa dont il fut l'accompagnateur au piano, au cabaret "Le chat noir".

Ne m'en voulez pas...

2009-01-01T11:20:00.000+01:00

... de commencer encore une fois l'année avec Monk, c'est plus fort que moi !
"Don't blame me" (1966) et :

Bonne année 2009 à tous !

L'année finit mal ! (Sob tones...)

2008-12-30T14:31:00.004+01:00

Il y a quelques temps, je disais (ici) que je serais bien attristé le jour où j'apprendrais la mort de Freddie Hubbard. Eh bien voilà, c'est aujourd'hui !
Et pour couronner le tout, j'ai le bras droit en attelle et je ne vais pas pouvoir taper, de la main gauche, le long texte que l'événement mérite !
En tout cas, un extrait musical s'impose : "First light", tiré de l'album, hautement recommandable, du même nom (1971). A passer à fond et en boucle à chaque fois qu'on vous fait l'éloge de Wynton Marsalis.

Découvrez Freddie Hubbard!

Bientôt Noël, on va crooner sous les cadeaux

2008-12-21T12:26:00.001+01:00

Noël est l'époque bénie, c'est le cas de le dire, pour les crooners. Il faudrait avoir le coeur d'un serial killer ou d'un spéculateur boursier pour ne pas aimer cette musique, fédératrice au possible !
Voici donc une vidéo montrant Nat King Cole concentré, les bras croisés, avec la tête d'un journaliste économique attendant d'être à l'antenne pour annoncer que le prix du baril de brut est monté à 300 $, et dont la face s'illumine tout d'un coup lorsqu'il commence à chanter "The Christmas Song".
Joyeux Noël à tous !

Danse avec les aliens

2008-12-14T10:24:00.003+01:00

En 1971, alors qu'on a l'impression qu'Ornette Coleman est dans une impasse et n'évolue plus, voilà qu'il passe en hyper-espace et fait un spectaculaire bond en avant avec l'album "Science-fiction".
Avec la cheville ouvrière de sa formation, l'indispensable rythmique constituée de Charlie Haden et Ed Blackwell ou Billy Higgins, il renouvelle complètement son langage. Cette musique sonne encore ultra moderne aujourd'hui, et elle a une pêche d'enfer. Ce disque est l'un des fleurons de sa discographie et se paye même le luxe d'y être unique. Peut-être est-ce dû à cette idée d'engager une chanteuse pop semblant venir tout droit d'Aldébaran.
Un bon exemple valant tous les discours, voici le morceau "Rock the clock", sur lequel vous entendrez Dewey Redman jouer du musette (non, ce n'est pas ce que vous pensez, c'est un instrument arabe à double anche, sonnant un peu comme une bombarde bretonne), Charlie Haden amplifier sa basse à l'aide d'une pédale wah-wah, et Ornette jouer du violon en non professionnel, statut qu'il a toujours revendiqué.

Découvrez Ornette Coleman!